Christian Larit serait un « voleur du temps ». Si l’on se fie aux propos de Philippe Labro, qui a préfacé l’ouvrage que le photographe vient de faire paraître aux éditions Ulmer. Pendant deux ans, cet aventurier qui refuse cette étiquette, s’est enfoncé dans les profondeurs des glaciers des Hautes-Alpes, et en particulier dans le Parc National des Ecrins, pour en tirer les clichés de Glaces, éternelles et éphémères. Il en a tiré une leçon : rien n’est fini, tout recommence. Ces formations souterraines sont en effet à la fois destinées à disparaître, à fondre, mais également à se reformer, à l’infini. Elles demandent pour cette raison à être observées avec patience et attention. Après avoir été illusionniste, dessinateur industriel, photographe déco et gastronomie, Christian Larit est finalement, avec simplicité, un homme qui a décidé de prendre son temps. Entretien.

EVERMAGAZINE : Pourriez-vous nous raconter la genèse de Glaces ? 

CHRISTIAN LARIT : Ce projet est venu grâce, grâce et non pas à cause, de la mort de mon père. J’ai dispersé ses cendres dans un torrent de montagne de cette région des Hautes-Alpes, à laquelle nous avons toujours été attachés. J’y suis retourné un an plus tard, environ, ce n’est pas tellement mon genre les anniversaires et la Toussaint ne fait pas partie des fêtes que j’apprécie le plus. Mais j’y suis allé et j’ai alors été absorbé pas la dynamique de l’eau, de l’élément liquide, qui me laissait à penser que j’allais le retrouver. Je suis reparti en me disant : ça y est, j’ai trouvé une idée, j’ai trouvé quelque chose qui me parle. 

EVERMAGAZINE : Vous avez immédiatement mis en place votre projet ?

C.L. : C’était en juillet, et en septembre, j’ai organisé ma première descente en crevasse, avec des guides. En septembre pour une question de sécurité : à cette période de l’année, les glaces ont été purgées. C’est également moins dangereux car les ponts de neige ont fondu, ce qui rend les crevasses apparentes. On sait dans quoi on descend, alors qu’en hiver, on ne sait pas sur quoi on marche, on peut passer à travers. Un petit film est visible, de cette première descente.

EVERMAGAZINE  : Justement, en dehors des images finales, vous montrez également la « fabrication » de celles-ci, par des vidéos mais aussi des photos de vous et de votre équipe. Pour quelles raisons ?

C.L. : C’est parti d’une envie d’amis, de se filmer pour s’amuser. Je regrette aujourd’hui de ne pas l’avoir plus formalisé, de ne pas l’avoir scénarisé, ce qui bizarrement aurait mieux montré ce qu’on a fait. Si j'avais su, comme dit le P’tit Gibus, j’aurais mieux mis en scène ou dramatisé mon histoire. 
Dans le livre, mon éditeur a voulu qu’on me voit en situation, ce que je ne voulais pas au départ. Je ne voulais pas passer pour un aventurier. Je fais de la montagne, voilà.

EVERMAGAZINE : Est-ce par modestie ou état de fait que vous dîtes cela ?

C.L. : Non, c’est par état de fait. Mais aussi sans doute par modestie, du même coup. Je fais de la montagne, mais j’ai toujours fait ça pour moi. Je n’avais, par exemple, jamais fait de photos de ces endroits auparavant. J’ai 55 ans et je ne me suis jamais montré en train de faire la traversée de la Meije, des Ecrins, du Pelvoux ou du Cervin. Jamais. Parce que quand je monte là-haut c’est pour me retrouver moi, ou pour échanger avec un ami. C’est intime. Certains photographes s’exhibent. Moi je ne mets pas de webcam. Il y a des choses qu’on ne raconte pas, sauf peut-être à des amis proches.

EVERMAGAZINE : Que racontez-vous, dans ce cas ?

C.L. : Le message derrière ce projet, Glaces, est multiple : il s’agit de vie et de mort, de l’optimisme qu’il y a derrière cette image de glace qui chaque année vient à fondre mais se reforme l’hiver d’après. Voilà l’articulation du livre, assez légère finalement. 

EVERMAGAZINE : Les photos que vous avez présentées en juillet 2011 à l’Orangerie du Sénat sont divisées, fractionnées. Pour quelle raison ?

C.L. : Elles sont fragmentées pour obliger les gens à « rezoomer ». Comme on pourrait le faire dans Google, en se rapprochant d’une ville. Dans la vie, les gens regardent tout dans la globalité : on voit un paysage et on reste sur cette vue d’ensemble. Ce que je trouve dommage. Parfois, les vues de détails sont plus intéressantes, le puzzle est plus intéressant. Avec ces carrés, j’oblige les gens à regarder de plus près, à ne regarder qu’une  partie, ce qu’on ne prend que rarement le temps de faire. 
J’ai effectué ces gros plans également parce que même une personne qui se rendrait dans ces crevasses aurait beaucoup de mal à voir la même chose. Parce que la technique, puis la trouille, l’empêchera de le faire. 

EVERMAGAZINE : Faudrait-il donc cette expérience de la montagne pour pouvoir photographier la glace de cette façon ?

C.L. : Il faut avoir une distance par rapport à l’endroit. Ce que j’ai vu, je l’ai vu parce que j’étais bien dans mes pompes. Le stress, le matériel, les baudriers, le casque, les broches à glaces, le piolet, les crampons : à tout cela s’ajoute le matériel photo. Mais là était le challenge : je suis capable de faire de la photo, je suis capable de faire de la montagne, est-ce que je suis capable de tout gérer en même temps ? La grande satisfaction que j’ai eue en sortant de cette expédition, c’est de me rendre compte que j’avais été bien, que je n’avais anormalement pas eu l’ombre d’une angoisse, l’ombre d’une trouille. Alors que je ne suis pas plus courageux que ça. J’y restais assez longtemps, pour m’habituer à la pénombre. Je fermais les yeux, je me couchais au fond des crevasses, pour voir cette lumière feutrée. C’est tellement subtil. J’ai eu des moments de bonheur absolu. 
Alors qu’il faut quand même être très clair, c’est un endroit hostile, au moins aussi hostile qu’un sommet de montagne. Parce qu’à tout moment, la glace bouge, elle travaille, elle vit : c’est un élément vivant, non inerte. Entre le moment où vous descendez et où vous remontez, le glacier a avancé de parfois 10 centimètres. À certains endroits, il bouge de 40 mètres par an, dans d’autres, comme en Antarctique, c’est d’un kilomètre ou deux. 
La glace peut encore exploser. Deux ou trois fois, cela s’est écroulé autour de nous. Mais si on a ça en mémoire et que c’est plus fort que le reste, on a la trouille, la boule là, et on remonte. Et il m’est arrivé d’avoir peur, malgré tout. J’étais glissé dessous et j’entendais des craquements, comme de vieux bateaux. Chaque fois, je suis remonté et reparti. 

EVERMAGAZINE : Il y a donc tout de même un risque. Celui-ci ajoute-t-il au plaisir ?

C.L. : Non, ce n’est pas le risque. S’il faut avouer quelque chose, c’est que le plaisir vient de cette pensée : je suis le seul à pouvoir le faire. Avec le numérique et l’informatique, tout le monde copie tout le monde. Moi, personne ne pourra le faire, et pour une raison simple : ils feront peut-être quelque chose de similaire, mais tout ce que vous voyez en photo, cela n’existe déjà plus. Plus rien n’existe une heure après ou une demi-heure après. On a voulu retourner dans certaines crevasses, mais on a jamais pu retrouver cette vague bleue, par exemple, découverte la première fois que l’on est descendus. Ce mur a disparu. Il a été absorbé dans cette espèce d’océan 
Le plaisir vient enfin du fait que je l’ai fait avec des amis. Parce que je ne pouvais pas faire ce projet avec de simples techniciens de la montagne. Mon équipier était une sorte de prolongation de moi. C’est-à-dire que, me connaissant bien, il savait jusqu’où je pouvais aller et jusqu’où il pouvait m’assurer. C’est une expérience humaine extraordinaire, une expérience dont on ressort différent. Et si cela permet à des gens de s’évader et de voir autre chose … 

EVERMAGAZINE : En pensant à la glace, et à sa fonte, la problématique écologique n’est pas loin. Est-ce présent dans votre démarche ?  

C.L. : Oui, mais j’estime que chacun doit rester à sa place. Je ne veux pas faire l’erreur de Nicolas Hulot et partir en politique. Moi, je montre les choses : je dis, c’est beau, voilà tout. Ça fond ? Ça peut aussi regeler. Maintenant si ça peut amener les gens à être moins dégueulasses, à être plus observateurs, j’aurais réussi. Mais mon rôle n’est pas de les convertir. Au même titre que dans mon livre, c’est quelqu’un qui a écrit les textes techniques, un glaciologue : Louis Reynaud. Parce que je n’ai aucune prétention scientifique. Et puis en tant qu’artiste, il y a un moment où il faut se détacher de la technique. Le rôle du glaciologue était de nous renseigner, de répondre à certaines questions comme pourquoi et comment se forment ces bulles, ces vagues…  Mais peut-être est-ce bien de ne pas le savoir. J’ai été prestidigitateur étant jeune, je sais que dévoiler son tour est la dernière chose à faire. Le truc est souvent un peu ridicule. Ce qui est intéressant, c’est d’amener le rêve et amener le rêve demande d’être excessivement précis. 

Et puis, finalement, j’ai bien peur que les gens s’en fichent de la glace. Sauf lorsqu’ils voient les gros glaciers de l’Antarctique qui tombent, et qu’ils voient du drame. De la même façon que les gens s’arrêtent sur l’autoroute pour voir quand quelqu’un a eu un accident. Quand on leur parle vraiment d’une manière calme : en disant voilà, le livre, ça parle de la glace, qui tombe, qui fond, qui se transforme. Non, peu de gens m’ont posé des questions à ce sujet.

EVERMAGAZINE : Malgré tout, vous délivrez un message. Pourrait-ce être celui-ci : photographier l’éphémère pour l’immortaliser  ? 

C.L. : C’est exactement ça. C’est pour cela que pour la prochaine exposition, il y aura en permanence une bande qui va passer : celle d’Alice au Pays des Merveilles. Tout le monde semble aujourd’hui avoir le costume du lapin dans Alice, qui dit sans cesse : « Je suis en retard, en retard, en retard. ». Depuis trois ans, j’ai pris le temps, alors que paradoxalement, j’ai aujourd’hui moins de temps à vivre. Je vais à l’inverse : je me déplace à la vitesse d’un panda. Parce que la seule vraie valeur, il me semble, que l’on puisse avoir aujourd’hui, c’est ça, avec les gens, les choses, tout ce qui nous entoure. De bien regarder. D’aller à rebours du superficiel, du kleenex, du rapide.

Mes projets vont dans ce sens. Je veux faire une trilogie : l’air, l’eau, le feu. L’eau, j’ai commencé avec Glaces. L’air, aussi, mais c’est à l’état d’embryon avec des photos de nuages et le feu, c’est les volcans. J’ai déjà fait un repérage, j’ai été sur l’Etna. Cela va être un peu rock’n’roll, il faudra passer sous les barrières de sécurité, pour aller au plus près de la matière. Ce qui m’intéresse ce n’est pas d’aller voir de loin la cheminée, c’est de voir le mouvement de la lave, pour pouvoir remonter le temps, comme avec la glace. Une pierre de lave peut n’avoir qu’un an. Vous en connaissez beaucoup des pierres qui ont un an ? Toutes celles que l’on connaît ont 10 milliards d’années. Avec la lave à l’état fluide, on est donc presque à la naissance de la terre. Là, sur les nuages, j’ai commencé et je commence à trouver le fil directeur de ce que j’ai envie de raconter. 

EVERMAGAZINE : Allez-vous vous approcher très près des nuages ? 

C.L. : Oui, là il faut que je contacte Air France pour avoir une autorisation permanente pour pouvoir entrer dans la cabine de pilotage. Pour pouvoir faire des images de ce moment où l’on entre dans la matière. Mais ce qui m’amuse aussi, c’est de faire des photos en étant allongé sur le dos, comme Alexandre le bienheureux.

EVERMAGAZINE :  Comme un enfant à regarder la forme des nuages ? 

C.L. : C’est ça, et réapprendre aux gens à regarder, leur montrer ce qu’ils perdent quand ils ne le font pas.

EVERMAGAZINE : C’est avec l’âge que la candeur revient ?

C.L. : Peut-être, oui. Je ne sais pas, je crois que j’ai toujours été rêveur. Mais pendant des années, j’étais dans une logique où il fallait gagner du fric, où il fallait payer l’appart, il fallait … C’est quelque chose qui ne compte plus. J’ai bien gagné ma vie à un moment, en tant que photographe, mais en fait je n’étais pas artiste.

EVERMAGAZINE : Mais un exécutant ?

C.L. : Oui. Je pense que si la presse n’avait pas eu ce virage, je n’aurais peut-être pas lâché prise. Je crois que si on est bien à un endroit, qu’on y est confortable, on n’a pas tendance à se faire mal. Là, j’en ai senti la nécessité, j’ai senti que ça se gangrenait. Et quand on a la gangrène, il devient nécessaire de se couper le membre. Pour avoir une petite chance de continuer plus loin. 
J’ai plusieurs facettes, mais ce qui me plait le plus c’est de rester dans cette esthétique du rêve, qu’on perd tous et que je trouve pourtant fondamentale pour se retrouver. Comme lorsque je descends dans les crevasses : réussir à oublier tout, n’entendre rien, comme dans un caisson d’isolation. Le silence, aussi, fait parfois peur aux gens. 

EVERMAGAZINE : Dans cette thématique du temps, et de la mémoire, la mort n’est-elle pas elle aussi présente ? 

C.L. : La mort de mon père, c’est mon fil d’Ariane. J’hésite un peu à en parler pour ne pas « plomber », faire peur aux gens. Alors qu’au contraire, de la mort naît toujours un projet. Mon père a été le déclencheur. Et Glaces a duré deux ans et de multiples descentes. Ce décès a donc eu le temps d’être largement « digéré ». La mort peut ne pas être triste. 

EVERMAGAZINE : Ou ne pas seulement être triste ?

C.L. : Non, il y a de l’humour dans tout. Par exemple, lorsque j’ai fait incinérer mon père et que je suis allé chercher l’urne, un type est arrivé en s’excusant. Il m’a dit qu’il y avait un problème avec le refroidissement des cendres. Je lui ai demandé quel était le problème et il m’a répondu que l’urne était encore un peu chaude. Ma réponse a été qu’il ne s’inquiète pas, qu’au moins ça serait la dernière fois que je pourrais le serrer encore chaud dans mes bras. Il n’a pas compris. Et puis quand je suis allé vers ma voiture, j’ai pensé à la place du mort. Je l’ai donc installé à côté de moi, et je lui ai mis la ceinture. Voilà, c’est mon humour. Mais c’est tendre. Je pense qu’il faut en rire, il faut dédramatiser, malgré la douleur. Cela ne veut pas dire que la douleur, je ne l’ai pas ressentie, c’est juste que, quelque part, il faut faire avec. 
Et alors ce qui m’a étonné, à l’inverse, c’est que quand j’ai dispersé les cendres de mon père dans ce torrent, ma fille a fait des photos de moi. Je n’avais jamais vu personne faire quelque chose comme ça. Personne ne fait de photos de divorce ou d’enterrement.

EVERMAGAZINE : N’est-ce pas ce que vous avez fait indirectement ? En laissant un témoignage, à votre façon ? 

C.L. : Peut-être. Ce projet est né de l’impression que j’ai ressentie face au mouvement de l’eau, là où les cendres ont été dispersées, de ce moment où je me suis dit : où est-ce que tu as pu filer, toi ? Ma démarche n’est pas d’impressionner les gens, par un exploit physique d’aventurier. 

EVERMAGAZINE : Malgré tout, dans votre parcours, vous semblez chaque fois vous mettre dans des situations extrêmes, ou tout du moins difficiles… 

C.L. : Je peux vous l’expliquer par une image. Je skie plutôt bien, mais pour supprimer un défaut que j’avais, j’ai dû couper mes bâtons pour être mieux dans la pente. J’ai toujours eu besoin de couper les ponts derrière moi : après avoir été prestidigitateur, j’ai travaillé dans l’industrie, comme dessinateur industriel, chez IBM entre autres. Et un jour, j’ai donné ma démission, alors que j’avais acheté ma maison un an avant. J’ai fait le choix de ne plus pouvoir revenir en arrière, pour m’obliger à avancer. J’ai toujours eu besoin de ça. Je sais que quand j’ai des grands moments d’incertitude ou de doute, en l’espace de très peu de temps, je me remets en forme, et je fais un sommet, où je me dépasse, pour me retrouver. Parfois sans entraînement, sans avoir fait 100 mètres de footing dans l’année. Il m’est arrivé de pleurer, de dire ça suffit, j’en peux plus. Pour Glaces, on est descendus dans des endroits où je n’aurais peut-être pas dù aller. Où je devais dire à mon équipier : là tu vas être obligé de me vacher. Vacher c’est-à-dire accrocher, tirer. 

Il n’y a pas de pudeur, pas de fierté mal placée. Ce qui est intéressant, c’est effectivement le témoignage qu’on laisse, mais seulement si ce ne sont pas des images aseptisées. Être dans la vérité. 

EVERMAGAZINE : Vous comptez retourner dans ces crevasses ? Continuer ce projet ? 

C.L. : Oui, on va y retourner, mais plutôt dans des endroits plus sombres, dans les glaces qui sont au stade terminal. Des glaces qui sont sur le point de mourir, parce qu’elles sont au bout du glacier, les plus anciennes. Elles ont entre 800 et 1000 ans et pourtant certaines que j’ai déjà photographiées n’existent peut-être plus. Certains glaciers sont condamnés à fondre. Et avec eux la mémoire de la terre, de ces 800 dernières années. C’est surtout ça qu’on perd pour l’instant. La glace, elle fond et elle devient de l’eau, donc on n’a pas tout perdu. Mais si des glaciologues veulent savoir ce qu’il s’est passé, ils ne pourront plus. 

Pour apprécier cet univers extraordinaire, il ne s’agit pas de commettre des interdits, mais de montrer aux gens qu’il y a une autre manière d’approcher ces parcs nationaux. Qui un jour seront peut-être complètement interdits à l’homme, parce qu’il n’aura pas pu se raisonner. J’ai horreur des interdits : il vaut mieux enseigner qu’interdire. Il ne faut pas culpabiliser les gens, mais leur montrer que c’est beau. Avec plus de respect, plus de modestie. 

Entretien réalisé par : Lucille Dupré 
et Roc Chaliand
Remerciements à Nelly Perlade

Christian Larit
Glaces éternelles et éphémères
Préface de Philippe Labro
Edition ULMER

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Fred Jagueneau vient de la mode. Il a été l’assistant de Mario Testino, d’Annie Leibovitz et autres grands noms de ce domaine. Mais ce photographe français est également un inlassable voyageur qui depuis des années collecte paysages et portraits en Colombie, au Cambodge, au Zimbabwe ou encore à Zanzibar. De sa rencontre avec Nan Goldin l’an dernier, autour du projet Scopophilia au Louvre, est donc née une idée : que l’artiste new-yorkaise pose son radical regard sur ses polaroids à la fois sensibles et percutants. Et qu’elle devienne ainsi curatrice de son exposition, Dreaming of Zerzura, présentée à la galerie Nikki Diana Marquart du 25 avril au 30 mai 2012. 

Nous l’avons rencontré en pleine préparation de ce projet, autour d’un café dans le 12ème arrondissement de Paris. Un après-midi entier à parler de voyage et de Nan Goldin évidemment, mais aussi de tauromachie et de Gustav Vigeland. Fred Jagueneau est un conteur d’histoires en tous genres, en voici quelques unes... 

LA MODE

EVERMAGAZINE : Vous êtes photographe depuis de nombreuses années maintenant. Quel a été votre parcours ?

Fred Jagueneau : J’ai fait des études de maths-physique, pour pouvoir intégrer l’école Louis Lumière. J’ai ensuite fait des études d’art plastique à Saint-Charles. C’était assez drôle. Mais j’ai travaillé très vite en tant qu’assistant photo au Studio Daylight, un studio de location de matériel où j’ai commencé à rencontrer le milieu de la mode. J’y avais fait un stage et un jour, en passant par là, on m’a demandé si je parlais bien anglais. J’ai dit oui, alors que ce n’était pas tout à fait vrai, mais ça a marché : le lendemain on m’a appelé pour un shooting avec des suédois, j’ai apporté mon dictionnaire, j’ai bossé comme un fou. Et j’ai travaillé 45 jours d’affilés. 

EVERMAGAZINE : Continuez-vous toujours à travailler dans ce domaine ? 

J’ai beaucoup travaillé dans la mode. J’ai un peu lâché aujourd’hui, principalement parce que je n’avais plus de styliste avec qui je m’entendais bien, avec qui ça se passait facilement. Et puis les magazines ont beaucoup changé, il y a moins de budget. 

EVERMAGAZINE : Il y aurait moins de possibilité, du coup, de liberté ?

Oui et non. J’ai fait une série malgré tout pour Vogue International, il y a 7 ou 8 ans. ils n’avaient pas de moyens énormes. Mais quand on a une bonne styliste et qu’elle arrive à trouver des choses qui collent au thème, ça fonctionne. Je crois avoir arrêté pour cette raison mais également parce que j’ai commencé à faire d’autres choses, telle que l’exposition avec Nan Goldin, Scopophilia. J’ai pris d’autres directions mais ce n’est pas fermé. C’est quelque chose que j’aime faire, que je sais faire ( cf EVER MAGAZINE /// THE PARTY ). 

LES VOYAGES

EVERMAGAZINE : Les voyages, qui semblent nombreux à la vue des images que vous allez exposer à la galerie Nikki Diana Marquardt, auraient-ils également influé dans ce changement d’univers ? 

En fait tout cela est venu de la mode. J’ai travaillé avec plusieurs photographes, dont Mario Testino, et certains m’ont embauché pour aller faire des catalogues à l’étranger. Je suis donc parti aux Seychelles, dans toutes sortes d’endroits ... où je ne voyais rien : 15 jours, trois semaines dans un pays, on va à l’hôtel, la plage, parfois dans un studio, deux maisons. Et ça, ce n’était pas possible, ça me mettais dans un état de frustration énorme. J’ai fait des économies et puis je suis parti. Mon premier voyage, ça a été le Zimbabwe. A cause du nom. Quand j’étais petit, je trouvais ça extraordinaire comme nom. C’était le pays du bout du monde par excellence, avec en plus des animaux sauvages. Donc quand j’ai pu partir je ne me suis pas posé la question, ça a été là-bas. 

EVERMAGAZINE : Et qu’y avez-vous découvert ?

J’ai découvert quelque chose d’incroyable. C’était il y a 18, 19 ans. J’ai fait le tour du pays en stop, en bus, pendant un bon mois. Les gens ont été adorables, malgré le fait que ce soit un pays difficile, qui vit presque en autarcie. J’ai ramené plein d’images dont je n’ai rien fait. Et ça a été souvent le cas dans mes voyages. Je partais et je dépensais un peu tout mon argent, je revenais avec pleins de pellicules. Et à mon retour il fallait bien que je paye mon loyer. Donc je ne m’occupais pas tout de suite de les développer, d’aller voir des gens pour leur montrer mon travail. Comme je n’écris pas, ce n’était pas évident : on revient avec des images et il n’y a pas vraiment de textes. Je ne suis pas journaliste et je n’ai jamais voulu l’être. 

EVERMAGAZINE : Mais vous avez continué à partir en voyage ?

Oui, puisque le premier s’était tellement bien passé ! Et puis je me suis rendu compte que quand on part comme ça un mois, très loin, on a le temps de voir autre chose et d’oublier d’où on vient. Et pourtant, en revenant, c’est comme si les choses n’avaient pas évolué en France, parce que la période est trop courte pour que quoi que ce soit ait changé vraiment. On se dit donc qu’on n’a pas perdu de temps, qu’on n’a rien loupé, ou en tout cas qu’on peut tout rattraper très vite. Et qu’en même temps on s’est enrichi de quelque chose d’extraordinaire. 

LA TAUROMACHIE

EVERMAGAZINE : Certains voyages vous ont-ils amenés à travailler sur des thèmes précis ? En Colombie, ne vous êtes-vous pas intéressé à la tauromachie ? 

Oui. La Colombie, c’est un peu différent. Là j’avais une idée précise de ce que je voulais faire. Je ne connaissais rien, à la base, dans ce domaine. J’avais vu une demi-corrida à Arles, pendant les Rencontres, juste avant de partir. Et c’était atroce, elle était mauvaise. Ça arrive.

EVERMAGAZINE : Qu’est-ce qui vous a malgré tout attiré sur ce terrain ? 

Ce sont les habits. Ils sont incroyables. C’est de la haute couture. J’aime les vêtements, je trouve cela beau, les matières, les couleurs. C’est quelque chose qui m’a toujours fasciné. Et dans la tauromachie, il y a ça. Ça va au-delà du vêtement, cela ne fait qu’un avec le toréador. Et puis j’aime aussi beaucoup la danse. La grâce dans la danse. Dans la tauromachie, il y a une gestuelle, une scénographie imposée par le taureau mais maintenue par le toréador. Quand il parvient à se maintenir au centre de l’arène, assez longtemps, c’est quelque chose de beau. 

EVERMAGAZINE : Ce point de vue est assez loin de l’idée de mort, communément attachée à la tauromachie...

Oui, mais ce n’est pas vraiment cela qui m’intéresse. Ou pas exactement. C’est un rituel qui vient des Grecs, qui est passé par la corne hispanique, assez tôt, puis qui a été emmené, lors de la colonisation, en Amérique du Sud, là où il y avait déjà des sacrifices animaliers. Il y a donc eu une convergence de deux cultures. Par exemple le jour de la fête nationale, au Pérou, ils vont capturer un condor dans les montagnes, le ramènent et le mettent sur le dos d’un taureau, attaché. Ils le lâchent dans les rues jusqu’à ce que le condor tue le taureau. C’est assez incroyable. Le condor représentant les indiens, c’est un animal sacré, et le taureau, les espagnols... 

En Colombie, ce que j’ai trouvé comme type de chemin de traverse, ou variation de la tauromachie, ce sont les cojaleras. Dans le nord-ouest du pays, une fois par an, les organisateurs louent un champ énorme où ils montent un stade en bois. De la taille d’un stade de foot, à peu près. Les gens sont soûls, il y a des femmes, des enfants, n’importe qui peut aller au centre de l’arène. Et ils lâchent un taureau. Ce sont des toros bravos, qui font 500, 600 kilos. Mais ils ne peuvent pas être tués. Cela s’arrête au bout de 10 minutes, quelqu’un vient chercher le taureau, en ramène un autre. Il y a des morts chaque année, chez les hommes, pas les bêtes.

EVERMAGAZINE : Le rapport s’inverserait alors avec la tauromachie telle que nous avons l’habitude de la voir ?

Oui, cela devient une sorte de jeux du cirque. Mais c’est pour moi l’exacerbation de ce qu’on voit dans une corrida. Les gens sont aussi là pour l’accident. Dans les cojaleras, on l’attend clairement. Les gens achètent des caramels, qu’ils jettent sur la tête du taureau, pour que les enfants ou autres se rapprochent au plus près et risquent de se prendre un coup de corne. C’est terrible. 

EVERMAGAZINE : Cela a été interdit en Espagne il y a peu. Que pensez-vous de cette polémique ?

Je crois que le problème de la corrida en Espagne et en France est avant tout un problème politique. Mais fondamentalement, je ne vois pas comment on peut faire autant d’histoires sur la corrida alors qu’on tue et mange des animaux dans des conditions bien pires. Les conditions de vie d’un toro bravo sont quand même nettement meilleures que celles de n’importe quel animal, vache, poulet, cochon ou autre. De toute façon, je ne suis pas là pour juger,  je suis là pour voir.

EVERMAGAZINE : Qu’y voyez-vous, du coup ?  

J’y vois des choses belles. Mes photos, je les fais parce qu’il y a des choses qui m’émeuvent, qui provoquent une émotion. On ne sait pas toujours tout de suite pourquoi on a fait une photo. Même s’il m’est arrivé de dessiner par avance une image. 

EVERMAGAZINE : Que voulez-vous dire par là ? 

J’avais rêvé d’une image de l’arène de Bogota, en Colombie. Je ne savais pas si j’allais pouvoir réaliser cette photo. Un architecte assez fou, dans les années 70, a construit trois tours juste derrière les arènes. Une amie a trouvé un réalisateur, qui habite au 17ème étage de la tour du milieu et qui a un balcon minuscule, sur lequel j’ai mis mon pied. Et j’ai shooté, tout le long de la corrida, du dessus donc. Puis j’ai recollé les morceaux. C’est une multiplication de la même position d’image. Nan Goldin voulait un mur entier avec cette image pour la galerie Nikki Diana Marquardt. Je lui ai dit que ce n’était pas le sujet. 

DE SCOPOPHILIA A ZERZURA

EVERMAGAZINE : Vous êtes donc en préparation d’une exposition, dont la curatrice est Nan Goldin. Quel effet cela fait-il que quelqu’un d’autre sélectionne vos images à votre place ? 

Ça fait beaucoup de bien parce que je suis incapable de sélectionner mes images. Peut-être plus encore pour les polaroids que pour le reste. Sans doute qu’il y a un affect un peu plus important. Evidemment, certains sont pour moi meilleurs que d’autres. Et je me suis occupé de faire le premier tri, en passant tout de même de 3000 à 700 images. Mais pendant longtemps je ne trouvais pas de moyen de les présenter. La seule chose que je savais c’est que je ne voulais pas les diviser par pays, que ça n’a jamais été la démarche. Mais si je ne le fait pas par pays alors il faut trouver des thèmes. Et ceux que je trouvais ne me convenait pas. 

EVERMAGAZINE : Le fait que cela soit Nan Goldin, en particulier, qui ait articulé ces thèmes, que cela apporte-t-il à vos yeux ?

Je trouvais vraiment intéressant le fait que ce ne soit pas du tout le type d’images qu’elle fait. Je n’avais pas du coup de problème de mimétisme, de confrontation de sujets. J’avais surtout une grande curiosité de découvrir ce qu’elle allait voir dans mon travail. Elle y a trouvé énormément d’intimité, ou d’intimisme, une part d’onirisme aussi. Enfin, je fais confiance en son regard. On a travaillé sur Scopophilia ensemble, et avant de se pencher sur ses propres images, on a travaillé sur des œuvres du Louvre. Avec chacun notre rapport à la peinture, chacun s’extasiant sur des oeuvres différentes. 

EVERMAGAZINE : Vous étiez donc son assistant pour ce projet autour des oeuvres du Louvre, l’an dernier. Vous vous êtes rencontrés à cette occasion ?

Oui. Nous avons eu cette grande chance d’aller au Louvre tous les mardis, seuls. On ne voit pas du tout la même chose dans ces conditions, avant tout, car il n’y a pas de bruit. Les sens, chez moi, se perturbent facilement. Je ne peux pas manger en plein soleil, par exemple, je ne goûte pas bien les choses. Je peux boire, mais ça c’est autre chose (rires). 

EVERMAGAZINE : Avoir pour soi ce musée, j’imagine, change aussi beaucoup les choses...

Oui, c’est vrai au début mais très vite on s’approprie ce lieu, on est chez nous. On reste collé devant un tableau, on s’assoit, on revient, on repart, parfois on ne va que dans deux pièces, trois pièces, même pas. Aujourd’hui, avec un peu de recul, on espère que Scopophilia pourra susciter l’envie chez les gens de passer une heure dans Le Louvre et de repartir. 

EVERMAGAZINE : De Scopophilia à Zerzura : comment est naît l’idée que Nan Goldin devienne curatrice de votre exposition ?  

Elle avait vu mes propres photos du Louvre et elle les aimait beaucoup. Elle est arrivée à la conclusion que je devais être un bon photographe, quelque part. Mais être un bon photographe pour Nan ça ne veut pas forcément dire avoir du talent, ça veut dire être bon techniquement. Ensuite, je crois qu’elle a considéré aussi que j’avais un oeil qui l’intéressait. A ce stade-là de notre rencontre, elle n’avait pratiquement pas vu mes images personnelles. Et puis on était dans la fabrication de ce projet. Je ne pensais pas du tout à ça. 

EVERMAGAZINE : Quel a été le déclencheur ?

Quand je pars, j’envoie des polaroids, comme cartes postales. Il devrait y en avoir dans l’exposition. Donc je lui ai envoyé un premier pola d’Andalousie, alors qu’on avait fait une petite pause d’une semaine pendant Scopophilia. Puis un autre, plus tard, de Jordanie. Et elle a voulu en voir d’autres. Je lui ai montré mes photos du désert et des sculptures d’Oslo, qui lui ont beaucoup plu. 

EVERMAGAZINE : De quelle façon a-t-elle travaillé sur vos photographies, par la suite ?  

J’avais donc fait un editing de 700 images, que je lui ai donné. Elle a fait une première sélection en fonction de l’émotion qu’elle ressentait en voyant les images, sans savoir où c’était, quand c’était, ce que c’était. Ce qui m’intéressait beaucoup : j’aime l’art conceptuel mais je trouve que l’art doit pouvoir parler à tout le monde, y compris quand on n’a pas la possibilité de lire la légende. J’ai pris des photos à Zanzibar, la réalité de Zanzibar est peut-être toute autre. Mais en revanche, la photo en elle-même raconte quelque chose. Et chacun, à partir d’une image, peut se raconter sa propre histoire, qui fera écho à une case de son inconscient.

EVERMAGAZINE : Vous avez intitulé cette exposition Dreaming of Zerzura, quel est la signification de ce titre ?  

Zerzura est un endroit incroyable. J’ai découvert cette légende, qui date du 5ème siècle avant Jésus-Christ, lorsque j’ai préparé mon expédition dans le désert du sud-ouest égyptien, où se trouverait, selon le mythe, une oasis renfermant un trésor incroyable dans une zone géographique particulièrement vaste. Ce désert s’étend de l’est lybien jusqu’au nord du Soudan. 

EVERMAGAZINE : Personne n’a donc jamais trouvé Zerzura ?

Non. Il y a eu un problème climatique, dans cette zone, qui l’a transformée en une région plus que désertique. Une autre raison d’ailleurs pour laquelle j’ai été là bas c’est que c’est une zone sans eau, de plus de 600 km de large sur 800 km de long, pas tout à fait la taille de la France mais presque. Même les caravanes des Bédouins ne peuvent pas y passer parce que les chameaux, malgré tout, ont besoin de boire tous les trois jours. C’est une région qui était encore à peine cartographiée au 20ème siècle, et minée en partie pendant la seconde guerre mondiale. Il resterait des mines. Bref, aller là bas, c’est compliqué

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Annina Roescheisen a la beauté d’une femme pleine d’esprit et ouverte sur les autres. Sur sa peau, des tatouages la dévoilent à la fois douce, pétillante, et attachante. Elle nous reçoit chez elle en toute simplicité pour mieux nous révéler son parcours de vie et sa vision de la beauté.

Née à Munich et de nationalité allemande, Annina Roescheinsen vit à Paris depuis 2008 et parle un français plus que parfait avec un petit accent plus que charmant. Si on la reconnaît dans la rue, c’est pour son image de mannequin-égérie qu’elle prête aux campagnes de Ba&sh, Le Temps des Cerises et bientôt Billabong. Après avoir été agent d’artistes contemporains pend ant deux ans, elle s’oriente aujourd’hui vers des projets artistiques dans lesquels elle se met en scène, mêlant Art et mode avec entre autres, l’artiste allemande, Marija Mandic. Mais ce n’est pas tout, dès le printemps de 2012, elle animera des modules de mode diffusés sur le site du Elle International (Japon et United Kingdom).

EVERMAGAZINE : Tu exerces plusieurs métiers à la fois, est-ce que tous correspondent vraiment à ta personnalité ?

Annina Roescheisen : Oui à 100% car j’aime faire beaucoup de choses en même temps, que tout se mélange. Cela me correspond beaucoup plus que le côté statique d’un seul et même métier. J’ai été mannequin de l’âge de 5 à 12 ans puis j’ai seulement repris à 24 ans. Pendant deux ans, j’ai adoré être agent d’artistes et conseillère pour des galeries d’Art Contemporain. Seulement, ce métier nécessite un plein temps que je ne souhaite plus prendre. Mais finalement, il y a un fil conducteur entre tout ça, je trouve mon chemin cohérent.

EVERMAGAZINE : Aujourd’hui, quelle est ta priorité professionnelle ? Quelle voie souhaites-tu emprunter?

A.R. : Actuellement, je me dirige plus vers une voie entre la photographie, l’Art et la télévision. Depuis juillet 2011, j’ai signé chez ITV Studios pour présenter des programmes artistiques. En parallèle, je suis en train de lancer quelques projets vers la télévision française, en tant qu’auteure et présentatrice, toujours autourde l’art et sur le ton de l’humour, très important pour moi, un peu comme une seconde nature.

EVERMAGAZINE : L’Art est dans ta vie comme un leitmotiv, cela fait-il longtemps que tu le pratiques ?

A.R. : J’y ai consacré toutes mes études en faisant un Master en Histoire de l’Art et Philosophie. Je suis totalement passionnée par le sujet, et en particulier par le Moyen-Age. C’est une période qui a une mauvaise image, et pourtant, je la trouve très innovante et mystique. Il ya beaucoup de codes, d’iconographies et quand on plonge dedans, c’est rempli de symboles, ce dont l’Art Contemporain peut manquer parfois. Je suis une grande fan des films de bataille et je trouve les femmes de l’époque très fortes, comme Jeanne d’Arc ou encore Jeanne d’Evreux…

EVERMAGAZINE : Aujourd’hui, quel regard portes-tu sur la beauté ? As-tu des icônes de beauté ?

A.R. : Je n’aime pas la beauté trop superficielle, façon hollywoodienne. Pour moi la vraie beauté, c’est avoir du charisme et des imperfections. Je suis pour les petits défauts, tellement bourrés de charme. Côté icône de beauté, je n’en ai pas vraiment même si j’adore Wonder Woman, je la trouve classe et super lookée !

EVERMAGAZINE : Que penses-tu de la place que l’on accorde à l’image de la beauté dans notre société actuelle ?

A.R. : C’est un joli trompe-l’œil ! Les images sont tellement retouchées que c’est dommage, tout me semble plat et c’est vrai car au bout du compte, tout finit par se ressembler. Quel est l’intérêt alors ? Il y aurait une démarche collective à entreprendre, avec d’un côté les photographes qui ne retouchent pas leurs images et de l’autre, les mannequins qui acceptent d’être peu ou pas maquillées.

EVERMAGAZINE : Quel est ton premier tatouage et à quel âge l’as-tu fait faire ? Et le dernier ?

A.R. : Mon premier tatouage, c’est le grand tigre, là, sur ma jambe et je l’ai fait faire à 13 ans. Je m’en souviendrais toute ma vie, cela a duré plus de 9 heures d’affilée ! Si j’avais pu, je l’aurais eu avant, j’en rêvais déjà à 11 ans mais mes parents n’étaient absolument pas d’accord, pas plus qu'à 13 ans, d’ailleurs. Quant au dernier, il remonte à huit mois, il se trouve sur le bas de mon bras droit, c’est une poupée avec un chapeau ou plutôt un bonnet d’âne, tu sais celui que les enfants portent quand ils ont fait une bêtise à l’école et qu’ils sont punis au coin.

EVERMAGAZINE : Tu as des tatouages sur tout le corps, un mélange de crucifix, de têtes de mort, de cœurs rouges… Quelle signification ont-ils pour toi ?

A.R. : Ils représentent mon parcours, mon histoire, tous ont une signification et sont rattachés à un événement important de ma vie, avec des moments plus drôles que d’autres forcément. Il n’y en a aucun que je regrette et même si j’ai commencé très jeune, je savais déjà ce que je voulais.

EN HOME BEAUTY

J’aime les produits naturels que je mélange parfois entre eux. Par exemple, lorsque je fais un gommage du corps, je mixe des sels de bains à de l’huile essentielle pour créer une émulsion plus douce et au final, la peau est vraiment bien hydratée et toute satinée.

J’ai la chance d’avoir une tante en Afrique du Sud qui me rapporte un sérum stimulant pour le visage de la marque Healing Earth, à base de jasmin et de baobab que j’ajoute, à raison de 2-3 gouttes, à ma crème de jour. Cela me fait un joli teint et ça sent divinement bon.

Avec mes cheveux longs, je me fais le plus souvent possible un masque bio à la rose de Lavera pour en prendre soin et les réparer. Chez Caudalie, j’utilise une huile de massage et leur soin corps nourrissant.

Sinon, mon beauty code quotidien, c’est less is more : un anticerne, un peu de poudre, de blush et le tour est joué. Et je bois aussi du thé tout au long de la journée, ça me fait du bien.

ERREUR DE JEUNESSE

Oh oui, une énorme erreur de jeunesse même ! A 12 ans, j’avais les cheveux très blonds et j’avais en tête de les teindre en rouge, seulement j’ai laissé poser la couleur beaucoup trop longtemps, et résultat, je suis devenue couleur carotte, un vrai désastre…

EN FORME

Avant, je pratiquais la danse classique et le kick boxing mais aujourd’hui, j’ai besoin de plus de douceur pour mon corps. Je me suis mise à faire du yoga, ce qui me fait beaucoup de bien au mental. Deux fois par semaine, je vais également en salle de sport, j’y fais des étirements et un peu de machines. Dès que je peux, je file faire du snowboard, j’adore la montagne !

EN HERITAGE

Je n’aurais pas ce visage si…

… Je n’avais pas hérité des traits de visage de ma maman slave, des cheveux blond vénitien de ma grand-mère italienne et des yeux de mon papa.

Une rétrospective à la BnF, une exposition à la galerie Baudoin Lebon, un catalogue et un ouvrage signé Delpire, Joel-Peter Witkin a mis en place un véritable jeu de piste dans Paris ce mois-ci. Une énigme à déchiffrer aux multiples réponses.  

«Je ne peux pas résumer mon travail car il est un perpétuel miroir de mon rapport à la vie ». Ce photographe a pourtant tenté de le faire, au cours d’un masterclass dans l’auditorium de la BnF, une conférence passionnante et suffisamment confidentielle pour que nous ayons décidé de vous la retransmettre. Pendant deux heures, dans le noir, assis seul à une table sur scène, ses étranges et démesurées lunettes sur le nez, il a reconstitué une chronologie, certes intemporelle, de son oeuvre. Et peu à peu, de sa voix enjouée, il a ainsi lancé quelques pistes pour décrypter son travail.

« Quand les gens vous prennent pour un monstre, il n'y a qu'une chose à faire : dépasser leurs attentes. » On cantonne souvent ce photographe américain à cette question du monstrueux, face à son oeuvre effectivement peuplée de nains, d’unijambistes et de natures mortes faites de membres humains. L’aspect technique de ses photographies, grattées, peintes, transformées dès le négatif, est également l’une de ses signatures : il déplace l‘instant décisif d’Henri Cartier-Bresson bien après la mise en scène. Des mises en scène qui, au delà de la mort, renvoient à la fois au religieux, à la mythologie et à l’historique et ceci pour une seule et même raison : parce que pour Joel-Peter Witkin, le cadavre n’est qu’une fin charnelle, corporelle, et que nous sommes des êtres infinis. Son travail serait ainsi une façon de «changer la matière en esprit». 

En quinze images-clés de son oeuvre et autant de variations de ce principe, voilà donc sa propre rétrospective, personnelle : 

THE KISS /// NEW MEXICO /// 1982

 «Un moment dans le temps qui ne s’arrêtera pas» : Joel-Peter Witkin fixe des instants de grâce, quelque chose entre le hasard et un long travail de recherche extrêmement précis. Cette image de crâne fait date car c’est la première fois que l’on permet à l’artiste d’avoir à sa disposition un cadavre humain. Il a emprunté cette tête coupée en deux à une école de médecine, «comme on emprunte un livre à la bibliothèque» et n’avait que 24 heures pour réaliser quelque chose qu’il n’a trouvé qu’au tout dernier moment, en faisant joindre les deux hémisphères de ce visage dans cette troublante embrassade. 

Il glisse à cette occasion qu’il est lui-même un jumeau, et que peut-être cet état de fait représente notre condition à tous. 

LAS MENINAS /// NEW MEXICO /// 1987

«Une invention de l’histoire de l’art à travers moi» : A ce moment de sa vie, Witkin sort de l’ombre pour commencer à être reconnu par le «milieu». On lui offre ainsi sa première rétrospective à Madrid et on lui commande une oeuvre spécialement pour cette occasion. Il prend donc comme citation première le tableau de Velasquez, à laquelle il ajoute le «radeau» de Delacroix, un peu de Miró, et du Picasso au passage. Puzzle disparate où il joue lui-même le peintre. L’homme, qui sort de son atelier transformé en toile provisoire, est pour lui une figure du Christ.

ANDROGYNY BREASTFEEDING A FOETUS /// SAN FRANCISCO /// 1981

«Le sens de la réciprocité» : A ce moment de la conférence, Witkin revient en arrière pour parler de ce qu’il a découvert à San Francisco. Il y rencontre la culture queer qu’il ne cessera de photographier non pas «pour la rendre belle mais pour lui rendre son expression». Une fois de plus, la pose est dictée par le sujet lui-même : la femme, devant le foetus, a demandé à le toucher et l’a naturellement porté à son sein. Cette photographie représente pour lui «l’impossibilité d’action» qui nous gouverne tous».

TESTICLE STRETCH WITH THE POSSIBILITY OF A CRUSHED FACE /// NEW MEXICO /// 1982

«Tout le monde ici à déjà étiré une couille, admettez-le, que ce soit la vôtre ou celle de quelqu’un d’autre». Il raconte qu’il faisait un temps splendide ce jour-là et que trois fois pendant le shooting, la pince qui tenait la couille a glissé de la peau, manquant donc de tuer le modèle. Sa femme l’a sauvé à chaque reprise, in extremis. Avec plus de sérieux, Witkin explique qu’il y a ici de signifié quelque chose de la condition de l’homme, de ce que nous sommes tous capable de nous faire subir à nous-mêmes. 

THE PRINCE IMPERIAL /// NEW MEXICO /// 1981

C’est le même modèle qui incarne ici Napoléon III, accompagné de son fils assis sur un cheval. Joel-Peter Witkin s’inspire donc des grands maîtres de l’Art, des mythes mais aussi de l’Histoire. Néanmoins, la particularité de cette image tient davantage au fait qu’elle ait été prise en extérieur, chose rare dans cette oeuvre et qui laisse ainsi advenir un événement aléatoire : le chien, passé dans le champ au milieu du champ. 

THE CAPITULATION OF FRANCE /// NEW MEXICO /// 1982

Toujours dans l’idée d’une réinterprétation de l’Histoire, il s’agit ici pour Witkin d’imaginer l’invasion de la France par les Etats-Unis, en prenant comme postulat que les Américains seraient capables de bien pire que les Nazis. Il insiste malgré tout sur le fait que d’après lui il n’y a pas de pays plus liés, qu’il n’y a qu’à voir la Statue de la Liberté.

La femme représentant la France est l’une des modèles fétiches du photographe, au chômage depuis des années en raison de son obésité. L’enfant masqué, c’est son fils... 

DAPHNE & APOLLO //// LOS ANGELES /// 1990

«Chaque expérience passe par mon système de croyance», y compris les mythes donc. Daphnée est une nymphe qui, pourchassée par Apollon, se transforma en laurier-rose pour lui échapper. La vision de Witkin, en décalage ? L’expression de la femme naine, en tout cas, est réelle : elle se faisait labourer le dos par les sabots du bouc, expérience passablement douloureuse, il faut bien l’imaginer. 

HARVEST /// PHILADELPHIA /// 1984

«Une exploration personnelle de l’Histoire de l’esthétique» : il ne faut pas seulement voir une référence à Arcimboldo dans cette image mais sa «mystique» générale. La tête provient d’un musée de Philadelphie, c’est une ancienne tête ///Navajo// et la conservatrice, de peur qu’il ne l’abîme, l’a obligé à la prendre en photo sous ses yeux, sur son bureau. 

THE GRACES /// NEW MEXICO /// 1988

«Les grâces et pas les Trois Grâces» : les titres de Witkin ont cette précision de ne justement pas citer exactement leur origine, de la même façon que les tableaux dont ils s’inspirent ne sont pas exactement des références. Peut-être qu’en un sens qu’il n’y a en effet plus que deux «grâces» sur la photographie. Il s’agit de trois transsexuelles hawaïennes, trois soeurs qui ont commencé à prendre des hormones à l’âge de 10 ans. Mais le visage de celle de gauche a été gratté car Witkin la trouvait ... «incroyablement peu attirante».

ANNA AKHMATOVA /// PARIS /// 1998

«Je n’avais pas anticipé l’élégance de ce bras» : cet hommage à la poétesse russe, qui lors de son voyage de noce aurait eu une aventure avec Modigliani, a été réalisé à Paris, dans une période plus récente. Un hommage en «nature morte», avec ce bras qu’il a demandé spécifiquement ainsi. L’horloge supporte la main mais représente bien entendu également, le temps, et la mortalité.

THE PARIS TRIAD - VENUS IN CHAINS /// PARIS /// 2011

«En vieillissant, je ne veux pas que mon travail soit basé sur le passé mais sur la condition du présent». Witkin dévoile ici ses dernière oeuvres, qui font entrer définitivement l’écriture au sein même de l’image (même s’il le fait ponctuellement depuis les années 80), à la manière des ex-voto d’Amérique du Sud. Cette vision de la beauté est incarnée par une jeune mannequin lingerie, qui portait ces mêmes chaussures le jour de leur rencontre. Il dit avoir été fasciné par son «derrière» (en français dans le texte). 

THE PARIS TRIAD - THE READER /// PARIS /// 2011

Toujours dans sa série parisienne donc, cette image tient à la rencontre avec une autre femme, Pia, qu’il a trouvé parfaite. Witkin raconte que le serpent lui a coûté 600 euros, et que la jeune fille en était phobique, d’où la tension sur son visage. 

THE PARIS TRIAD - DEATH IS LIKE LUNCH : IT’S COMING /// PARIS /// 2011

«Il y a un lien entre l’amour et la mort» : la femme est véritablement la mère de l’enfant, qui symboliquement la voit donc mourir. Il semble d’ailleurs le comprendre, Witkin l’ayant saisi dans un moment de grande colère. Dans cette image, tout se joue dans les jeux d’ombre et de lumière.

LEDA GIVING HER LOVER A CONDOM /// NEW MEXICO /// 2011 

«Accepter l’erreur» : entre le bec de l’oie et la hanche de la jeune femme, on aperçoit une main, celle de son assistante, qui maintenait le linge. Witkin raconte avoir pris soin à ce qu’on ne la voit pas, mais qu’elle est apparue tout de même. La conjonction des éléments de cette représentation mythologique tient également à une série de coïncidences : la rencontre de cette femme très grande et le don de deux oies, dans sa maison du Nouveau-Mexique. 

GOOD AMERICANS, WHEN THEY DIE, GO TO PARIS /// BOGOTA /// 2011

«Une vierge très sympathique». Il s’agit de la toute dernière image de Witkin, prise à Bogota, en Colombie. La «vierge très sympathique» est une actrice colombienne, qui a été la modèle de Witkin à plusieurs reprises et qui représente ici une prostituée à forte personnalité, cliché parisien par excellence. 

 «Dans mon travail récent, la recherche est pleine d’espoir, d’espoir en la culture d’Europe et d’aujourd’hui». Voilà ce semblent dire les dernières clichés de l’artiste : une légèreté plus grande. Néanmoins, Joel-Peter Witkin semble loin d’avoir fini son oeuvre. Il n’est pas encore l’heure des conclusions. Pour l’instant, nous vous transmettons la petite annonce qu’il a glissé en fin de conférence, pour signifier son désir de rester à Paris quelques mois : «Si quelqu’un à un château où je pourrais m’installer pour quelques mois, je suis preneur !»

Lucille Dupré

PHOTOGRAPHY :

MAKE UP :
Anika RASKOPP

MODEL :
Julia BAUS @Modelwerk Hamburg

Les camions portent des bijoux.
On se déplace jusque dans les régions tribales pour acheter une moto.
Bienvenue au Pakistan, le pays où l’on soigne son mal en cajolant les véhicules.

Au petit matin, les ouvriers de la vieille ville se rendent sur leur chantier en bicyclette Sohra, une marque pakistanaise culte, avec des fleurs en plastique accrochées au guidon. Ils croisent sur leur chemin les derniers camions échappés de la nuit et décorés des plus fines représentations d’actrices pakistanaises, de Ben Laden ou de Benazir Bhutto. Vers 9h, les premiers 4×4 pointent leurs pare-chocs en direction de la rue, hors de leurs cages dorées. Une journée ordinaire dans une grande ville pakistanaise commence.

Prendre
La Route :

Au Pakistan, une passion. Une histoire de fierté aussi, notamment lorsqu’il s’agit du truck art, la décoration traditionnelle des camions. Perçu comme mineur par les élites du pays qui le pense issu d’une culture de paindoo,  de « paysan », l’art de la peinture sur camion est célébré par les voyageurs et les nationaux attachés aux traditions populaires. Peints à la main dans des ateliers de Rawalpindi, de Karachi ou de Peshawar, ces camions, qui répondent à différents styles selon la région d’origine de leur propriétaire, sont de véritables livres à ciel ouvert.

Véhicules
Aux Caractéristiques
Féminines :

Ehtisham Khan, un étudiant d’Islamabad qui s’intéresse à la manière dont les Pakistanais modifient leurs véhicules, est le créateur du blog Pakistan Truck Art. Pour lui, la décoration des camions au Pakistan connait une phase récessive : « De plus en plus de camionneurs doivent s’adapter au système des conteneurs ce qui leur laisse moins de place pour la décoration. Ils ne peuvent donc plus embellir leur camion parce qu’ils veulent respecter les règles internationales » 

Le truck art est souvent perçu comme une façon d’échapper à une existence terne. Explication trop facile, selon Ehtisham Khan. C’est la ségrégation entre hommes et femmes qui est surtout à l’origine de ce phénomène : “ Pour certains, l’art sur camion serait un exutoire parce qu’il n’y a ici pas d’équivalent aux bars et aux autres endroits que les camionneurs occidentaux fréquentent lorsqu’ils sont sur la route. Mais il y a une autre explication, que je trouve bien plus convaincante. Les camionneurs passent le plus clair de leur temps dans leur camion au point que celui-ci devient leur alter ego. Voila pourquoi ces véhicules ont des caractéristiques féminines. Comme pour une femme, on leur offre des bijoux. La décoration obsessionnelle des camions est la réponse à un manque ».

Un camion que l’on pomponne ; « la réponse à un manque » ? Quid du véhicule considéré comme le plus sexy du monde : la moto ? Depuis que les films de Bollywood ont repris la culture de la heavy bike, les Pakistanais, devenus fous, ont investi en masse dans l’objet qui ferait vibrer les filles. Et c’est dans les zones tribales, situées dans le nord-ouest du pays, qu’ils seraient majoritairement allés se fournir, où l’on peut acheter des motos fabriquées en Chine pour si peu.

« La Discrétion
Ne fait pas Partie
De notre Culture »

Aujourd’hui, pour ceux qui en ont les moyens, la tendance au Pakistan est aussi à la réparation et à la collection de voitures anciennes. Un site internet, pakwheel.com, est devenu le point de rencontre des collectionneurs. Ils y partagent des photographies de voitures de collection, parlent mécanique et organisent des expositions de voitures dans les rues des grandes villes pakistanaises.

Moin Abassi est membre d’un club de collectionneurs de voitures anciennes (Classic Car Club of Pakistan) et l’heureux propriétaire de trois voitures vintage.  Il explique les raisons du succès de pakwheel.com : “Au Pakistan, nous manquons de divertissement et la passion pour les voitures de collection est définitivement une manière de soigner notre ennui. Beaucoup de Pakistanais passent un temps fou à marcher dans les villes dans l’espoir de tomber sur une vieille voiture et de partager ensuite leur découverte sur le site internet. »

Cet avocat basé à Karachi et épris d’aviation refuse d’associer son goût pour les voitures anciennes à la façon dont les élites pakistanaises consomment de l’automobile de luxe : « Dans les grandes villes, on voit régulièrement des voitures de luxe circulant encadrées par des Jeep remplies de gardes armés. Les propriétaires de ces véhicules recherchent l’attention plutôt que la sécurité. Il faut croire que la discrétion ne fait pas partie de notre culture.” 

Un Entrepreneur
Né dans une Voiture

Les Pakistanais et la gent automobile auraient enfin pu officialiser leur amour lorsqu’une entreprise locale, l’Adam Motor Company, lança la première voiture pakistanaise : l’Adam Revo. L’entrepreneur responsable de cette révolution, Feroze Khan, se décrivait alors comme le fils d’une mendiante né dans une voiture.

Une belle histoire qui ne dura pas longtemps. En 2006, la production de l’Adam Revo s’arrêtait. Pour Moin Abassi, les Pakistanais ne font confiance qu’aux marques étrangères. « Ils considèrent les marques pakistanaises de qualité et de durabilité inférieures. A cause de cela, les entrepreneurs hésitent à se lancer dans la construction d’une voiture 100% pakistanaise », relève-t-il.

L’Inde, avec le groupe Tata, fait aujourd’hui partie des grands noms de l’industrie automobile. Le Pakistan est encore loin de son rival.  Et à Islamabad, « la ville qui dort toujours », des jeunes hommes de bonnes familles continuent de tourner en rond dans de longues Mercedes, espérant trouver un remède à leur ennui…

Texte : Lou Garçon
Photos : Marylise Vigneau

Quels liens se tissent entre photographie de mode et photographie d’art ? La question n’est pas neuve, Richard Avedon ou encore Helmut Newton ont déjà brisé quelques frontières, mais la réponse demeure néanmoins toujours en suspension. La photographe Mel Karch la repose, une fois de plus, par son exposition à l’Espace Dupon, à Paris, et par un ouvrage paru en mars 2012. 

Mel Karch est d’origine allemande, mais vit depuis onze ans en France. Elle a également passé trois ans aux Etats-Unis et travaille pour ces trois pays, avec en sus l’Italie. Elle ne vient pas de l’univers de la mode on «est venu la chercher», pour reprendre ses propres mots. Après un diplôme de graphisme, qui l’a conduite vers un premier projet en Côte d’Ivoire, elle est devenue l’assistante d’Annie Leibovitz puis de Mark Seliger. Dotée donc de ces références dans le portrait et la mise en scène, son univers, dès le premier regard, est en outre bien plus vaste que la plupart des photographes de ce domaine. « Je suis nourrie par différents sujets littéraires, des films, un mélange, un univers. C’est difficile à décrire, mais cela vient naturellement.» Les références qui traversent ses images sont nombreuses : Ingmar Bergman (et le film Persona) pour la série au parachute, Wim Wenders et son Million Dollar Hotel, Dorothea Lang et son travail sur la Grande Dépression ou encore l’architecture des années 60. Ce qui marque donc est à la fois ce qui habite ses histoires  en images mais du même coup les décors qui les plantent, pour lesquels elle a une attention particulière. Et au sein desquels le vêtement ne semble qu’accessoire. «La mode m’apporte un petit élément, parfois seulement comme touche de couleur, pas forcément parce qu’il est glamour. Je ne sais pas si vous avez vu la photo avec juste une maison, sans personne, avec le petit pantalon accroché. Tout reste naturel, jusque dans la façon dont la mannequin porte une robe, avec un petit bouton ouvert. Je n’aime pas le perfectionnisme.»

De cette recherche incessante de cadre, d’histoire et de «location», elle tire un livre paru en mars, intitulé Moments. Il est constitué de polaroids, de ce format 6/7, en couleur ou noir et blanc, qu’elle utilise pour prendre en photo les «settings» de ses shootings : la photo, avant l’arrivée des mannequins. La mode ne serait-donc finalement qu’un prétexte dans son travail ? «Je pense que chaque image marche pour elle-même, vit par elle-même et pas seulement comme série. L’iconographie de la mode y est transposée à l’art.» Ou vice-et-versa. Car l’attention à l’objet vêtement demeure, comme dans cette image de la série inspirée par Dorothea Lang pour Marie Claire Italie, où l’on voit une femme dans une voiture, vêtue d’une robe Chanel qui irradie particulièrement. Mais cette robe pourrait dater des années 30 : elle devient intemporelle. Pied de nez à la manie des collections et des tendances volatiles ? Utiliser un imaginaire de crise avec des accessoires de luxe est définitivement un geste de dérision. Mais l’essentiel ne semble pas être là, pour Mel Karch.

L’imaginaire semble jouer un plus grand rôle dans son travail que le désir de se moquer de la mercantile «fashion». C’est ce qui donne une dimension intemporelle à ses séries, c’est également ce qui constitue un dialogue entre l’artiste et le spectateur. A propos de la série inspirée de Persona, qui figure l’arrivée d’une femme en parachute sur une île du nord de l’Allemagne, elle dit ainsi : «Va-t-elle partir ? Parfois aussi il n’y a pas de oui ou non, on peut deviner, imaginer soi-même. Cette femme très élégante. Il y a une image avec une voiture, qui évoque un mouvement possible. ». Possible mais pas clairement montré. Les personnages sont isolés, perdus dans des décors surannés, étranges, ils regardent vers l’avenir comme ces camarades des affiches de propagande russe, ou ces naufragés de la crise américaine effrayés de ce qui les attend. Ce qui forme une unité ce sont aussi eux, ces visages un peu étranges, des «gueules» dont les traits racontent quelque chose. « Le casting forme une ligne entre toutes les séries : on peut se demander si la fille d’une série n’est pas celle d’une autre, comme une histoire qui continuerait.» 

Mel Karch semble donc donner une réponse, prouver que photographie de mode et d’art ne sont pas si dissociables que ça. Ne reste-t-il pas que le livre qu’elle sort sera exempt de vêtements siglés ? Et que donc malgré tout une échelle perdure entre ces deux domaines, l’un plus noble que l’autre ? La photographie de mode ne serait-elle toujours qu’un tremplin vers l’art des musées et des théoriciens ? David LaChapelle ne collabore plus que rarement avec les magazines. Néanmoins, on peut se demander si la mode n’en demeure pas moins un terrain de jeu inépuisable, une véritable zone de création qu’il serait dommage de regarder de haut. 

Belle leçon d’humilité et de photographie, tout court, que le travail de Mel Karch.  

Lucille Dupré

//Informations// : 

Mel Karch : Moments
Du 17 février au 16 avril 2012
Espace Dupon : 
74 rue Joseph de Maistre 75018 Paris
Du lundi au vendredi de 10h à 19h

CREDITS

Photographe
Nicolas Le forestier

Styliste
Marie Revelut

Assitée de
Mélodie Caillard

Mannequins
Corinna Studier & Alina Krasina @ OUI MANAGEMENT

Location
Studio Bastille Design Center

STYLE 

01
Veste : Cotelac
Chemise et Treillis : Luybov
Chaussures : by Marlene Birger

02
Casquette : The Viridi Anne
Veste : Enia Valcani
Body : Wolford

03
Veste : It’s Not Dead
Cravate : 0044
Pantalon : Avtandil
Chemise : Cotelac

04
Chemise : Long Nam To
Foulard : Free Soul
Chapeau : The Viridi Anne
Chemise : Plein Sud

05
Veste : Malene Birger
Chapeau : The Viridi Anne

06
Serre Tete : Xuan Thu Nguyen
Veste : Malene Birger
Chemise : Plein Sud
Pantalon : It’s Not Dead
Body : Wolford
Robe-Pantalon : Plein Sud
Chaussures : The Viridi Anne
Gants : Minna Parikka

07
Casquette : The Viridi Anne
Veste : Enia Valcani
Body : Wolford
Short en Jean : Free Soul
Chaussures : The Viridi Anne

08
Casquette : The Viridi Anne
Manchette : PP from Longw
Veste : Xuan Thu Nguyen
Body : Wolford

09
Veste et Pantalon : by Marlene Biger
Chemise : Cotelac
Chaussures : Vic Matie
Gants : Minna Parikka 

10
Veste et Pantalon : Asturo Tayama
Chemise : Cotelac
Sac : Freitag

11
Veste Bleue : Cotelac
Chemise : Unity
Pantalon : It’s Not Dead

12
Casquette : The Viridi Anne
Veste : Enia Valcani
Body : Wolford
Short en Jean : Free Soul

13
Veste : by Malene Birger
Chemise : Cotelac
Echarpe : Ambas
Jupe : Luybov
Boxer : Wildfox

14
Body : Wolford
Veste Blanche et Pantalon : Plein Sud
Chaussure : The Viridi Anne
Chapeau et Canne : Stylist's Own

De la photographie comme représentation. Voilà comment résumer en quelques mots la seconde édition du festival Circulation(s), qui s’installe donc une fois de plus dans le Parc de Bagatelle. Ce festival, qui était déjà parvenu l’an dernier à nous surprendre par sa richesse et sa capacité à créer une véritable plateforme à la jeune création européenne, monte définitivement d’un cran. Une scénographie mieux pensée (en deux lieux, deux espaces où le spectateur «circule» véritablement entre les oeuvres), une sélection plus pointue, une variété plus grande de façon de montrer les images (installations, studios photo etc), une meilleure gestion des cartes blanches (à c et des «invités» (l’Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (Espagne) ou encore la galerie norvégienne Melk)... La liste est longue si l’on veut vanter les mérites de cette jeune initiative organisée par l’association Fetart.

Avant tout, cet événement semble être définitivement devenu un rendez-vous avec la «jeune photographie européenne», le moment de dresser son portrait, forcément esquissé, évidemment contestable (toute sélection a nécessairement une part de subjectif) mais qui pourrait, si cet événement se pérennise, devenir l’occasion de prendre le pouls d’une certaine vision de l’Europe par ceux qui la font. Un pouls qui donc cette année bat au rythme de la mise en fiction de la photographie.

Que s’est-il donc passé en un an que la jeune garde ait pu transcrire dans sa production ? L’Europe a plus que jamais vu sa monnaie se fragiliser et les disparités entre les membres de l’Union s’accroître. Elle a parallèlement pris parti militairement et politiquement dans le conflit libyen et plus largement dans les Printemps Arabes. Et perdue elle aussi quelques chefs de gouvernement (Berlusconi, Papandreou), au passage. Malgré tout, il semble qu’il ne faille pas chercher dans les images qui se succèdent à Bagatelle des traces de l’euro en berne, des Indignés espagnols et anglais, ou des batailles politiques européennes. La tendance générale est en effet étrangement moins dure que l’an dernier et pour une raison précise : le réel s’augmente d’une donnée de taille: l’imaginaire. Il n’est en effet pas traduit par ces jeunes artistes comme une réalité sociale, politique, il est d’abord personnel, intime et par conséquent réinventé à travers le prisme du sujet. Amélie Chassary et Lucie Belarbi revisitent ainsi en duo «le geste quotidien, si ancré dans l’individu qu’il en devient textile». La nappe de la table que l’on dresse chaque jour se transforme en robe, les mouchoirs de la veuve éplorée se nouent pour rejoindre la tombe. Les deux jeunes françaises disent avoir, le temps de ce projet «créé une famille à deux, comme un couple» : les personnages qu’elles inventent deviennent une progéniture rêvée, un monde selon leur désir.

Choisie pour illustrer l’affiche du festival, la franco-mexicaine Alexandra Serrano met de son côté en scène des objets qui racontent un événement précis de son passé. Plus intime encore, son projet est d’effectuer une relecture de sa mémoire. Mais que peuvent bien signifier ces rognures d’ongle dans une main repliée, ces peaux de clémentines dans une table de nuit ou la trace de morsure sur un bras ? Pas de visage sur ces images, sans doute parce que chacun y est libre de s’y réinventer une histoire, un souvenir.

Qu’ils partent d’une expérience singulière ou d’un constat plus général, ces jeunes photographes produisent des narrations et semblent plus encore montrer cet « inquiétante étrangeté », cet Unheimlich dont parle Freud, ce moment où l’ordinaire a l’air de justement sortir de l’ordinaire. Il n’y a qu’à voir la série de la Suisse Désirée Good, qui met en place des tableaux où le banal est si fixe qu’il en devient étrange : regards figés dans un parc à la Jeff Wall, visages emmurés dans un bar à la Hopper.

Le monde serait-il devenu si fou qu’il ne puisse plus se transcrire que par une mise en scène ?  La réponse la plus juste est peut-être donnée par Julie Fischer, et sa série Suite Blanche (photo de couverture). Partie au milieu de la neige finlandaise, elle a en effet photographié les «quelques êtres persistant miraculeusement dans cet environnement étrange et inhospitalier». Traces de pattes dans la neige, chien-loup qui s’éloigne, il faut s’approcher de très près pour réaliser que ces photographies sont en couleur et pas en noir et blanc. S’approcher de très près pour comprendre que le réel, finalement, n’a pas été retouché. L’ «inquiétante étrangeté», c’est exactement cela : un retour du semblable, du réel, alors même qu’il paraissait extraordinaire.

Notre monde demeure bien notre monde, même quand il est bouleversé, quand il est inquiétant, comme lorsque nous nous arrêtons devant les bonshommes de neige peints à la bombe noire d’Augustin Rebetez, que l’on parvient malgré tout à analyser, où le malaise généré est décryptable (l’utilisation de la bombe de graffiti sur un objet enfantin).

Face à ce constat, une question demeure. Le photojournalisme serait-il mort ? Le désir de retranscrire le monde tel qu’il est, de se faire témoin, aurait-il disparu ? Non, c’est simplement, une fois de plus, qu’il a changé de forme. Vincent Catala est à l’origine journaliste, il a commencé en 2008 un projet autour de Jane, une prostituée de Rio. Récit de la vie nocturne, de l’attente, des clients, des paysages déserts, cette série est également celle d’une absence, celle de Jane, un beau jour «disparue dans la nuit», et dont les traces se scrutent à l’intérieur des images, sur un coin de mur ou sur les contours d’une silhouette de dos. Le témoin semble y être devenu celui qui cherche ce qui n’est plus, et sans doute finalement ce qui n’est pas. L’espoir de retrouver celle à laquelle on a finit pas s’attacher transforme le reportage en fiction. Mais voilà, une fois de plus, la fiction renvoie aussi à une certaine réalité : elle est le récit que le photographe se fait du monde, à un endroit et un moment donné.

Et si l’on en revient à l’Europe, l’identité de l’Union, pour cette raison, peut être traitée de la même façon que l’identité personnelle. L’Allemande Lia Darjes s’est par exemple attelée à décrire la façon dont l’Islam est représenté à l’Ouest. En prenant pour centre d’études ceux qui ont pris la décision de se convertir. Son projet trouve alors un étonnant écho avec le travail d’Alexandra Serrano : utiliser des objets du quotidien pour symboliser une idée, un souvenir, un sentiment, ou, comme dans la série de la jeune Berlinoise, la façon dont ces objets ont pu changer de fonction lors de cette conversion à la fois religieuse et nécessairement culturelle.

L’an dernier, Circulation(s) sortait déjà des frontières européennes, tissaient des liens. Cette année, il semble que ce soient les réseaux eux-mêmes entre les cultures qui soient montrés. De la même façon que la galerie principale, à Bagatelle, à la fois isole et crée des passages entre les artistes. De la même façon que le titre même de ce festival est à la fois au pluriel et au singulier : au pluriel parce que ces liens narratifs sont évidemment multiples, au singulier parce qu’il s’agit en soit d’un concept, d’une revendication. L’exemple le plus clair est donné par Emeric Lhuisset, Julie Adnan et Jamal Penjweny, qui organisent un studio photo où l’on vous propose de poser avec une Kalachnikov AK-47 devant un écran représentant les Sabres de Qadisiyah, monument emblématique de Bagdad. L’idée est ensuite d’inverser le projet, et de proposer le même studio photo, en Irak cette fois, avec une image de la Tour Eiffel. Le résultat n’est pas d’un esthétisme fou mais à le mérite de surprendre : les visages souriants, arme à la main, s’égrainent sur les murs. Quelque chose de l’absurde de nos liens géopolitiques serait-il là montré ? Ou serait-ce la preuve que nous ne sommes pas capable de nous représenter la réalité de la guerre ?

Représentation. Le mot revient donc une fois de plus. Rien de neuf, diriez-vous, la mise en scène a toujours fait partie de l’histoire de la photographie et le fait de mettre en abîme la façon de montrer une oeuvre n’a rien d’ultra-contemporain. Ce qui surprend, dans les jardins de Bagatelle, c’est le rapport qu’il y a entre ces choix et la situation actuelle de notre société. C’est aussi donc quelque chose de très circonstanciel, qui tient peut-être enfin au fait qu’il est extrêmement agréable, particulièrement en ces temps de crise, de se laisser raconter des histoires, de prendre la pose de façon presque cathartique ou de jouer avec les ombres animalières de Camille Scherrer. Face à un écran, nos mouvements sont captés et nous voilà dotés d’un masque de cerf ou d’ours. Qui n’a pas envie de jouer ces derniers temps ? Laissez-vous tenter, allez prendre le bus 43 à Pont-de-Neuilly, et arrêtez-vous à la station Circulation(s).

Lucille Dupré

Informations :
Festival Circulation(s)
Du 25 février au 25 mars 2012
Galerie Côté Seine et Trianon, Parc de Bagatelle, 75016 Paris
Entrée libre et gratuite

PHOTOGRAPHIES

MODELE
Mamzelle Rachel

MAQUILLAGE
Anne Arnold 

 MUSIQUE
"La Jeune Fille et La Mort" /// "Death and the Maiden"
Schubert - Quatuor Amadeus

11 mars 2011 - Rappel des faits

Près de six mois sont passés depuis ce jour où le grand tremblement de terre du Tohoku a fait vaciller une partie du Japon puis a soulevé cette vague, dépassant parfois les vingt mètres, pour l’abattre sur toute la façade nord-est du pays. L’ampleur des dégâts est incommensurable, s’étendant sur plusieurs centaines de kilomètres, rayant des villes de la carte ou les rendant à un simple état de ruine. Les images de la catastrophe résonnent en chacun, touché par le flot d’images ouvertement diffusées par les mass-media et Internet. Est-il aussi utile de préciser une fois encore le nombre de victimes ? Plus de vingt-trois mille morts et disparus ! Quid du nombre de maisons, bâtiments, entreprises, emportés, détruits, fermés, ou simplement noyés sur le premier niveau? Près de 500 000 dans un compte difficile à établir tant la tache est vaste.* Ces régions et leurs habitants mettront des années à s’en remettre. Il serait facile de continuer à évoquer tous les maux tant et tant de fois évoqués pour essayer de comprendre, se donner une idée, vivre l’expérience par procuration.

La population qui vit toujours sur ces lieux n’a pas le temps de compter. Pour les 85 000 personnes déplacées toujours en attente de logement dont trente-sept mille en centres de réfugiés**, l’heure est à la reconstruction, morale avant tout, physique mais aussi matérielle. Beaucoup se relèvent, s’activent et vont de l’avant. D’autres sont encore sous le choc et ont encore du mal à parler de leur situation.

Ishinomaki fut l’une des villes les plus touchées par le Tsunami. Situé à l’est de la rivière Kyûkitagami, le Minato Shogakko, anciennement un collège, est devenu un centre de réfugiés et de volontaires. Après y avoir été bénévole, j’y ai recueilli les témoignages suivants.

(* Informations regroupant celles du CATDAT, FDMA, et des préfectures et municipalités japonaises au 16 juin 2011)
** (selon les sources officielles des préfectures de Iwate, Fukushima et Miyagi- cabinet office gouvernment of Japan)
Photographie N&B - Photo d'écran de télévision lors des événements le 11/03/2011- source NHK

]]> http://fr.lemagazineever.com/2012/03/ishinomaki-onagawa-apres-le-tsunami/feed/ 0 http://fr.lemagazineever.com/2012/03/le-caire-liberte-disparite-mixite/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=le-caire-liberte-disparite-mixite http://fr.lemagazineever.com/2012/03/le-caire-liberte-disparite-mixite/#comments Thu, 08 Mar 2012 19:54:13 +0000 Roc Chaliand http://fr.lemagazineever.com/?p=7914 «Gowwa maa M. ila’l char’aa choyya...» Tiens, emmène donc M. faire un tour dans la rue un peu. Emmène-la jouer au ballon en bas, faire le tour du pâté de maison et revenir. Emmène-la... C’est ainsi qu’M. et S. se retrouvent au pied de l’immeuble, côte à côte, un brin désemparés, maladroits, tels deux grands idiots qui ne savent plus quoi faire d’eux-même. M. n’a plus cinq ans, elle ne porte pas de couettes et encore moins de robe à fleurs, pas de chaussettes qui remontent jusqu’aux genoux, de petite jupe marine, de doudou calé dans le creux du coude. M., comme S., a la vingtaine; une vingtaine bien tassée qui sent bon l’indépendance, le pavé et l’assurance. Ils sont bruns, ils sont mates, ils sont secs, ils sont cousins, pourquoi pas frères. Mais au pays des taxis qui chantent et des crocodiles qui dansent, elle est femme, il est homme. Point.

Dans cette immense capitale où l’air est pourtant chaud et le rire facile, ils ne vont pas, entre jeunes, fuir l’ennui familial au bistrot du coin. Pas de demi-panaché pris à la Brasserie du Port de Paimpol pendant qu’aux Chants Marins, copains et copines picolent main dans la main. Au Caire, c’est gêne dans la gêne qu’M. et S. arpentent la rue. Ils font semblant de s’intéresser aux vitrines clinquantes des échoppes de Rod El Farag et parlent de cette promenade contrainte, du nulle part où aller pour partager un chouya d’amitié. Des kilomètres et des kilomètres de béton, de bitume, d’immeubles amputés ou nés prématurés, et pourtant M. et S. ne savent où aller s’attabler pour discuter.

Nous pourrions croire que la ville de poussière, âpre, brutale, insolente mais tendre, aurait pensé à créer des nids douillets où flâner, discuter, se crier des «habibi» moqueurs. La petite Amsterdam se protège bien du grand froid dans des cafés-cocons par centaines. Alors pourquoi Le Caire ne se protégerait-il pas des méandres du désert ? Je vous vois venir, vous et vos images bien faîtes de cafés orientaux où l’on fume le narguilé en buvant un café turc, un livre de Naguib Mahfouz sous le nez. Mais regardez-bien, allez-y, approchez, n’ayez pas peur, les turbans ne vont pas vous manger. Vous voyez ? Ou plutôt vous ne les voyez pas, n’est ce pas ? Une petite armada de crânes enturbannés pour à peine un visage voilé. Mixité ? «Yarni é ?» Ça veut dire quoi ? «Mafich» «mixité», il n’y pas de mixité, elle est partie en vacance la mixité. Va voir à Londres, à Berlin, à Phuket ou à Punta Cana, elle s’est peut être envolée par là-bas, ici on n’en a pas.

Pour le voyageur fraîchement débarqué d’un Occident où la peur et ses dérives sécuritaires créent loi sur loi dans l’espoir de préserver au mieux l’espace public, la violence apparente de la circulation cairote est un choc. Aucune règle : ceci est la seule règle qui vaille pour un automobiliste égyptien. Le klaxon est manié avec frénésie et empressement. Or ce qui semble inaudible de prime abord se révèle tout à fait censé, passée l’incompréhension de départ. Le klaxon est un langage. Il dit aux piétons : Attention, j’arrive caché derrière le bus et je ne vais pas m’arrêter, passe madame, plus vite jeune homme, à l’automobiliste : pousse-toi, j’y vais le premier, accélère, gare à toi. Il y a le coup de klaxon prévenant et il y a le matraquage agressif, il y a le petit doublet chantant et le long cri boudeur. L’absence de code de la route implique un règlement tacite, virilisé, masculinisé au possible; comme si nos mâles égyptiens avaient besoin d’un espace à eux pour évacuer la saturation de testostérone. Il est invisible à l’oeil nu mais il existe bel et bien. En maîtriser les rouages, c’est aussi réapprendre à marcher.

En effet, le trottoir, la voie piétonne, n’échappent pas à ce postulat. Dans le dédale d’ordures, de deux roues qui vous frôlent, de charrues attelant un âne en fin de carrière, de vendeurs ayant fait de la chaussée leur « concept store », il est difficile de trouver sa place. M. dit à S. : «Marchons sur le trottoir, non ?». S. lui rétorque : «Tu préfères le trottoir parce que tu es une femme, mais les hommes marchent sur la route». Une réponse simple et efficace, ou comment vous rappeler que vous êtes normés, genrés, jusque dans votre inconscient. Un coup d’oeil rapide à la rue, le constat est là, imparable. Aux hommes la route, sa vitesse, son audace, sa fougue et son arrogance. Aux femmes le trottoir, sa protection, sa sécurité, sa sérénité espiègle, son accès privilégié aux boutiques où elles iront faire les courses du ménage, sa propreté toute relative, une piste un brin plus praticable pour celle qui ne voit pas ses pieds fouler le pavé. Finalement, tout cela est d’une logique imparable, ils ont le monde extérieur, la sociabilité qui vous conduit d’un point à un autre, elles restent près des portes, du monde de l’intérieur, du foyer dont elles ont la charge. Ce partage de l’espace a été maintes et maintes fois expliqué, étudié, analysé. Nous l’avons connu nous aussi, dans un passé pas si éloigné.

Il semblerait bien, en effet, que la mixité soit partie en vacances.

]]> http://fr.lemagazineever.com/2012/03/le-caire-liberte-disparite-mixite/feed/ 0 http://fr.lemagazineever.com/2012/03/tu-ne-voudrais-pas-crever-un-jour-de-fin-du-monde/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=tu-ne-voudrais-pas-crever-un-jour-de-fin-du-monde http://fr.lemagazineever.com/2012/03/tu-ne-voudrais-pas-crever-un-jour-de-fin-du-monde/#comments Fri, 02 Mar 2012 15:27:05 +0000 Roc Chaliand http://fr.lemagazineever.com/?p=7868

Toi, la créature habillée par son créateur, sonnes creux lorsque depuis ton écran, tu crois que tout est déjà écrit. Mais entre ton illettrisme de classe et la cécité de masse, il n’y a pas grand chose à voir. Depuis ton point de chute tu regardes le brasier crépiter et se consumer. Il doit bien y avoir des gens à l’intérieur ? Peu importe car tu as comme l’impression d’être le dernier maillon de la chaîne alimentaire, mais surtout un paquet de fumier.

Si tu avais appris à prier, tu serais en sursis entre la roulette russe et la loterie rédemptrice. Mais tu préfères te plaindre et, à ne pas en douter, c’est le moment idéal. Piégé dans ce monde en pleine crise de nerf, à deux doigts de la crise cardiaque sans défibrillateur. Tu es aux premières loges pour assister à la fin des temps et tu savoures les hurlements en canon, en La mineur. Parce qu’au fond, la fin du monde est simplement un moyen universel d’avoir conscience des limites définitives de l’espace et du temps.

L'apocalypse se résume à ce que tu veux bien en voir, un mélange de saintes écritures, de séries B et de documentaires animaliers. Elle n'est qu’une mort équitable sans développement durable. Pourtant le spectacle est total et naturel. Tandis qu’une odeur de souffre vient chatouiller tes narines, la boule de feu rougeoyante sur laquelle tu es assis attend que quelqu’un appuie sur le bouton. Mais le bon parce que Thierry Meyssan s’est trompé ! Encore. Et peu importe tu te ressers un verre d'absinthe, fais flamber le liquide, souffles dessus et l'avales pour te perdre. Alors tu te rappelles...

Tu n'avais que faire de la nouvelle année et celle de 2012 en particulier. Mais un curieux mouvement s’amorçait aux abords de la fenêtre au sixième étage de ton appartement parisien, au centre médiatique d’un pays, lui-même étant la banlieue du monde, garé n’importe comment dans l’univers ! Le globe a arrêté de faire sa révolution quotidienne, la conscience tranquille. Cela t’a taraudé lorsque tu t’es retrouvé seul devant les grands magasins boulevard Haussmann pour le premier jour des soldes. Tes derniers d’ailleurs. Le calendrier n'était plus une banale affaire d'échéances à honorer, de la taxe d’habitation au énième anniversaire de mariage avec ta partenaire d’hygiène sexuelle. Désormais toute la littérature du temps se résumait à des nombres, des chiffres, des dates et un compte à rebours. Puis les sauterelles ont ravagé l’Europe et la P.A.C., ce qui a mis a certains la puce à l’oreille. Mais dès que la famine eut fini de décimer la côte ouest américaine, excepté Santa Barbara, plus aucun sphincter ne pouvait garder le silence. Et toi, tu te la coulais douce.

Les élections présidentielles ont fini par se dénuder avec un taux d'absentéisme record de 66,6%. Les veaux ont fini par choisir entre le Series Final que J.J. Abrams aurait voulu produire et un concours de t-shirts mouillés. Après le retour de la monarchie aux forceps, les journalistes ont été pendus en premier, tous pistés et retrouvés par la géolocalisation de leur timeline sur Twitter. Ensuite les scientifiques ont été envoyés sur orbite. Les prédicateurs ont donc pu recevoir les droits d’auteur des condamnés, ainsi que leurs femmes en offrande ! Et vu le nombre de charlatans, tu te dis qu’il y a de l’avenir pour la polygamie. Pendant ces réjouissances la zone euro est morte, Jean-Pierre Chevènement s’est fait un lifting et les agences de notation ont été étouffées par l’intégralité de l’alphabet

Les politiciens ont troqué le Code Pénal pour la Bible et les financiers ont fait vœu d'ascétisme pour garder leurs mains ou leur langue. Toi, tu n’as rien changé à ton style de vie. Tu continuais à te plaindre sans rien faire. Et il n’y avait rien à faire. L'apocalypse se contentait de ramener la peur issue de l'âge de pierre au rang d’absolue modernité. Alors la France a gagné l’Euro, par forfait.

La religion tricéphale a repris la main. À un point tel que la Bible, le Coran et la Torah ont été traduits et appris en Maya. L'été 2012 a été chaotique et suffocant. Il n'y a pas eu de vacances vu qu'il n'y aurait pas de rentrée. Tu as passé ces deux mois à boire et à vomir, ou l'inverse. Londres a annulé les Jeux Olympiques et les terroristes se sont décommandés. Les pyromanes ne faisaient pas le poids face à l’arrivée d’Armageddon, ils se sont tus. Quant aux chiens, plus philosophes que masochistes, ils ont abandonné leurs maîtres au bord de la déroute. La ligue 1 a été supprimée et les Qataris ont revendu le PSG. Dr Dre a fini par dévoiler Detox en téléchargement gratuit et sans placement de produit. Toi, tu relisais l’intégrale de L’Ère d'Apocalypse en espérant une dimension parallèle ou une faille spatio-temporelle. Mais rien n’est arrivé !

L’argent cela ne se mange pas ! Toi tu voudrais bien avoir quelqu’un à appeler, mais l’iPhone 5 n’est jamais sorti et, en signe de fraternité, certains se sont fait enterrer avec leur iPad devant les Apple Store. Mais il fallait réserver et les U.S.A ont été servis en premier ! Les cannibales et les nécrophiles ont détrôné McDonalds et Meetic avec leur chaîne de restauration et site de rencontre : Eat & Fuck.

Le mois de septembre était arrivé bien vite et les charniers qui trustaient l'entrée des villes servaient de pissotières aux animaux errants ainsi qu’aux membres du mouvement « Retour aux sources ». Et toi tu végétais au sommet d'un tas d'ordures que tu ne recyclerais certainement pas ! En ce qui te concernait, le chaos, c’était l’équité. Toi, tu n'avais plus de limites. Il n'y avait plus de cadre, plus de repères, plus de garde-fous, de femme avec qui cohabiter. La tienne avait eu le bon goût de se suicider pour rejoindre son sauveur. Elle s’est envolée depuis le toit de votre immeuble pour découvrir les joies de l'apesanteur. Tu espères qu’elle a trouvé Dieu et que lui aime les doggy-bags.

Tu y es, c’est bien la fin. Adieu société fonctionnelle. Et bonjour pillage naturel ! Libéré des dix commandements pour les nuls et de Charlton Heston, le troupeau humain s'est transformé en meute. Pendant que Durex fait faillite, faute d’humanisme à lubrifier. Quant à la ville, elle est devenue un merdier total où il n’y a rien à retraiter mis à part les écologistes. Un peu cul-de-jatte, un peu manchot, tu fais du surplace en pratiquant la non-assistance à personne en danger. Parce que les entités idéologiques ont emporté dans leur tombe leurs codes tutélaires et leur grise littérature. Mais en octobre Barack Obama a promis qu’en cas de réélection, il concèderait un ministère à un membre du K.K.K. parce que l’humour noir précède toujours l’humour mort. Puis Jim Dodge a eu le Nobel de littérature. Pour passer le temps, tu fais tourner en boucle le même titre de Léo Ferré « Il n'y a plus rien » en gardant en bouche avec ton absinthe ces quelques mots « Le désordre, c'est l'ordre sans le pouvoir ». Le temps passe l'échéance se rapproche…

Tu regardes la Terre mourir au ralenti. George Miller et Buronson ont tout compris, mais à l'envers. Les derniers jours de la fin du monde ressemblent à leurs premiers après l'apocalypse. À la différence près qu’il n’y a pas de Max Rockatansky, ni de Kenshirô.

Le 21 décembre 2012, le père Noël est officiellement au chômage. Ici dans l’enfer précaire, c'est un jour comme un autre. Un beau jour d'hiver pour sourire, pour mourir, pour s'ouvrir les veines dans le sens de la circulation ou épouser l'esprit grégaire.

Tu pourrais te laisser aller pour cette fois et rejoindre le mouvement, ressentir un peu de chaleur humaine, même faisandée. Mais tu veux faire montre d'autodétermination, une ultime fois. Alors toi aussi, tu vas apprendre à voler. Tu veux personnaliser ta sortie.

Tu fais le pari d’arriver à réciter l’alphabet avant le point d’impact.

Une dernière gorgée d’absinthe, un peu de courage et tu récites : A, B, C, D, E…

Texte : Sylvain Souklaye

Photos : Martin Lagardère

Musique : FREON