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Ilaria Pozzi & Neve Aria

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Photo Studio 10 - Milano

Deux acteurs de la redécouverte du corps, Michel Onfray et Valentino Garavani ont su, à leur manière, redéfinir la sensualité. Simple auteur de best-sellers pour certains, parangon de l’école philosophique matérialiste actuelle pour d’autres, quel que soit votre positionnement, Michel Onfray ne laisse pas indifférent. Il a su apporter une sensualité, donc, à la philosophie par sa pensée hédoniste. De la même façon que Valentino Garavani a fait prospérer cet attachement aux sens dans la mode, en y fournissant une autre approche du corps féminin.

 

Fort d’une enfance tourmentée au sein d’un pensionnat catholique, Michel Onfray a très jeune eu la capacité à redéfinir les termes dictés arbitrairement par la convention, érigée en modèle universel. C’est avec la patience de l’horloger et le savoir de l’érudit qu’il a développé sa pensée, à l’extérieur du cercle des codes moraux ou de toutes formes de bien-pensance des mœurs. Cette pensée s’est essentiellement construite sur un effondrement personnel du christianisme, ainsi que sur tout son héritage intellectuel, ayant de fait, une forte incidence sur la vision que nous portons au corps. Ce qui cloisonne alors l’individu dans une cage de préjugés et de non dits.

 

En somme, pour le philosophe, une véritable approche du plaisir n’existe pas, mais seulement ses incarnations. Le plaisir est alors perçu comme un mirage, que l’on ne peut atteindre. Avec impudence, nous pouvons également constater le rôle qu’a joué Valentino Garavani dans l’approche sensuelle de la mode et du corps féminin. Son enfance n’est certes pas aussi difficile que celle de notre philosophe…

 

Il a entrepris des études à l’école syndicale de la couture et après quelques jobs dans diverses maisons, il s’installe à Rome pour y implanter son atelier. Jusqu’à l’arrivée affirmée du couturier sur le devant de la scène, la volupté résidait dans un imaginaire entièrement illusoire, la luxure toujours réservée aux suppôts de l’infâme Lilith. Le concret, nécessaire à la sensualité, était absent, ce même concret dont témoigne le mouvement matérialiste, autrefois absorbé chez les philosophes de la croyance.

 

Michel Onfray a notamment tout au long de ses essais, développé un érotisme qu’il définit comme solaire. Il vise en tout et avant tout à détruire la frustration du corps, en nous permettant de le redécouvrir à travers le plaisir, et donc la sensualité. Cette sensualité visant à remettre le corps à sa juste place, Valentino y attache un intérêt tout particulier. Le rouge symbolisant sa marque est imprégné d’un érotisme omniprésent. Chacune de ses créations forme un tout afin d’explorer plus en détail le corps féminin. On peut commencer un défilé par un dos presque nu qui épouse ainsi la silhouette, que la colonne vertébrale dirige, pour continuer sur un ventre cette fois-ci nu, laissant place à une ouverture des sens et de l’imagination.

 

En somme se sont de véritables codes que met en place Valentino Garavani, codes qui, par leur densité mêlant élégance et sensualité seront toujours d’actualité.

 

On peut d’ailleurs se remémorer le défilé printemps-été 2006 de la maison, où Valentino associe nuisette et trench, ou encore décolleté profond, doté d’un col. Chaque partie du corps doit être mise en valeur, afin de transformer cet idéal du corps en réalité.

Michel Onfray, quant à lui, cherche donc à redéfinir le corps via le plaisir. Mais le plaisir n’est selon lui pas dans la retenue car il ne doit en aucun cas représenter un manque.

 

Or l’érotisme solaire prêche le désir comme un excès et le plaisir comme un moyen de dépenser cet excès.

  

C’est ainsi deux hymnes à la vie et à la sensualité que nous avons dans ces deux oeuvres. Les moyens sont certes différents, mais le résultat est sensiblement le même. Redécouvrir par un éveil des sens le corps humain. Le redécouvrir dans sa sensualité, dans son érotisme. Michel Onfray va se désaliéner de toute profession judéo-chrétienne afin d’y parvenir, quand Valentino va défier les silhouettes prédominantes de la mode de son époque.

 

Texte : Charles des Portes

Cover : Stéphane Massa-Bidal

Photographer

Styling

Giulio Maragno

 

Make-Up Artist 

Sonia Pette

 

Model

Justine Mattera

Photographer

Stylist

Zoe Costello

Model

Diana Georgie for Elite

La Renaissance approche. Et notre enquête touche à sa fin. Nous avons suivi scrupuleusement la lettre de l’artiste et poète Julien Isoré, marché dans ses pas et rencontré tour à tour le photographe «explorateur» Lucas Grisinelli et le «bâtisseur» Sébastien Belgodère.

 

Nous avons observé le cycle des saisons, scruté le mécanisme absurde de notre éternel Renaissance. La question que pose à ce stade Julien Isoré est la suivante : lorsque l’on renaît, quelle forme prenons-nous ?

 

Quelle est cette créature que l’on devient alors ?

Je rentre chez moi et il fait nuit. La fée s’est cassée la gueule et je suis toujours un embryon : un être en devenir à l’image d’un monde qui muterait sans cesse pour éclore dans le chaos ; sans jamais se définir vraiment lui même.

 

On ne peut jamais savoir si cette belle larve que nous sommes deviendra une jolie libellule ou une grosse mouche à merde.

 

On ne peut jamais savoir si ce que nous faisons est un étirement de l’abdomen ou un grossissement.

 

On a beau avoir conscience de l’avancée et du chemin, on ne connaît jamais l’arrivée.

 

C’est alors qu’emmener dans la turbine du temps je subis la mécanique des cases. Je cherche la fée, une autre, celle qui me montrera la libellule.

Taxi, Avion, Taxi.

 

Je marche et je vois alors le néant danser avec le pavement des rues et former ainsi le sol lourd de la scène : Je suis à Lisbonne. Cette route, écaille du géant serpent, me fait glisser sur la mélancolie. Je me vois ainsi lancer deux grands cercles au dessus de ma tête, l’un pour cet espoir comique, l’autre pour cette fatalité redoutable. Un tourbillon se forme et je cherche au beau milieu la fée bleue comme celle qui a transformé la marionnette en véritable petit garçon.

 

Ne regardant plus la route, car absorbé par le mouvement des paradoxes au dessus de mon crâne, je ne vois pas sous mes pas la fracture naissante et je tombe. Je m’enfonce alors dans un tube. Et j’amerais à nouveau dans la fiole de pan.  Mon heure approche. Si ça se trouve la libellule c’est moi et je sens que c’est pour maintenant. Il y a,  de l’autre coté de la paroi de verre, des grands yeux brillants qui me regardent. Laëtitia me sort du flacon. Je suis une fleur rouge.

Cette fée, ces «deux grands yeux brillants» qui regardent Julien Isoré, c’est Laëtitia Laguzet. Doctorante en histoire de l’art, photographe, vidéaste mais aussi musicienne à ses heures, elle est l’auteur d’une vidéo que nous vous présentons ici de façon inédite. Il s’agit de l’extrait de son dernier film, en cours de réalisation, Rêves, extrait qu’évoque notre poète dans sa missive par cette image finale de rose.

Avec la lettre de Julien Isoré comme fil d’Ariane, nous menons une enquête sur la Renaissance.

 

Dans l’épisode précédent, la missive poétique de cet artiste polyvalent nous avait entraînés dans l’univers photographique de Lucas Grisinelli. En Alsace, au coeur d’une fête païenne qui célèbre le printemps, nous avons vu s’opérer le renouveau des saisons, se développer une réflexion sur un nécessaire retour aux valeurs ancestrales, une réactivation de celles-ci comme acte primordial.

 

La Renaissance serait donc un acte temporel.

Mais lequel ? Et en quoi ?

 

Il s’agit tout d’abord bien évidemment d’un cycle, cycle des saisons chez Lucas Grisinelli, cycle de transformation, du cocon à la larve, chez Julien Isoré.

 

En me levant, je m’aperçois que je ne suis pas un cocon mais une larve : Chétive, cassable, frêle, bref tout les mots de la fragilité. Finalement je ne suis pas mort mais bel et bien une grosse larve. J’ai des petites pattes, une tête qui ressemble à mon ventre. Je suis vide. Ma bouche est ouverte et j’ai faim. Je vais tout manger. Sillonnant l’hiver j’engloutis tout sur mon passage et je me traîne jusqu’à chez Sébastien.

 

Voilà le point de départ de ce second chapitre : Sébastien, c’est Sébastien Belgodère, ébéniste et artiste qui refuse tout à fait de se définir. Il a rencontré Julien Isoré dans un taxi et lui a proposé de s’installer dans sa maison de Saint-Ouen en son absence. Décors de théâtre, de cinéma, de publicité, c’est un «constructeur» qui place le rapport à la matière au coeur de son activité, quelqu’un pour qui «c’est l’objet qui prend les choses en main». Il nous dévoile ainsi pour l’occasion une étonnante machine de ... Renaissance.

 

Mais quand j’arrive, mon bon ami le constructeur n’est pas chez lui. Il n’est pas dans son atelier aux allures de laboratoire alchimique perché sur un arbre. Il n’est pas face à son télescope, ni face à ses outils de mesure. Il n’est pas à son établi concevant des meubles. Ses outils de construction sont couchés dans un coin sur le sol. Des amas de matières diverses remplissent les placards et lui ne les ouvre pas. Il n’y a personne. Pas même un poulet dans le four. Non il n’y a vraiment que les elfes et le chat : le chat qui s’étire allongé sur le sol chaud et les elfes qui se dandinent le long de l’escalier hélicoïdale en riant.

 

Si il n’y a personne chez lui c’est que ce soir une grande poète vient à Paris nous annoncer le printemps. Ce soir c’est maintenant ou jamais, c’est ce soir que je sors de ma larve : ce soir c’est Nina Hagen ! Alors avec Seb, on se retrouve directement à l’Olympia.

 

Paris,  21 mars 2012,

Passage de Nina Hagen au festival Gibus annulé. 

La poète qui devait nous annoncer le printemps s’est cassée une jambe. (Merde).

Qui va annoncer le printemps maintenant ?

 

Dépité, Sébastien et moi nous vautrons sur la terrasse à côté du théâtre Edouard VII. L’espoir que j’avais tant eu pendant l’hiver s’éteint avec la chute de Nina Hagen. 

 

Dans sa course à l’éclosion, le printemps a ripé comme un chat soûl et la renaissance tant annoncée par les hommes des forêts n’a pas eu lieu. 

 

Naître, vivre, mourir, renaître, revivre, re-mourir.

 

Le ridicule de la situation n’échappe à personne : A quoi bon renaître en larve, manger tout ce qui bouge et louper le printemps ? A quoi bon recommencer sans cesse si on ne peut jamais vraiment voir quelle mouche nous pique ? 

Et puis, questionnant Sébastien sur tout ce vacarme de l’impossible existence, il fini par me répondre un truc.

 

C’est une machine.

Hein ?

C’est une machine du temps qui marque une emprunte et qui l’enlève une fois sur deux. C’est la répétition.

Mais alors ? Il n’y a plus d’espoir ?

Non c’est comme Sisyphe qui pousse la boule sans arrêt et qu’elle retombe. Après il faut chercher un autre moyen de satisfaction que l’espoir et la projection. Car c’est un engrenage inévitable. Peut être qu’accepter cela c’est renaître vraiment.

Ah bon. Et moi qui croyais mourir

Héhéhéhé

 

Sébastien rit et moi aussi. Nous finissons nos bières et zou. Au lit.

 

La Renaissance comme un cycle donc, mais un cycle inévitable, à la façon de l’éternel retour de Nietzsche ou du mythe de Sisyphe, dont parle Julien Isoré ci-dessus, mais aussi à la façon de ces cycles organiques qui règlent nos propres cellules. A rebours de l’éclosion printanière de Lucas Grisinelli, la renaissance se fait fatum, image de l’absurdité de vie d’homme qui pousse sa pierre. Mais quelle est donc cette machine, qui figurerait cette idée ? Tout est parti d’un objet, un rouleau à impression de papier peint, en cuivre, trouvé aux puces de Saint-Ouen.

La machine est constituée d’un grand disque, avec un arbre moteur au milieu, qui reprend deux axes, d’un côté la fameuse presse à papier, de l’autre une raclette. Sur ce grand disque, de la glaise est mêlée à un bain d’huile chauffée pour attendrir la matière, pour qu’elle ne colle pas. En tournant, la presse forme ainsi une empreinte que la raclette vient par la suite effacer. «L’idée est assez dure, comme si dans ce mouvement circulaire, on ne pouvait jamais que réimprimer sur quelque chose qui a déjà été imprimé, et effacé. », voilà en une phrase la façon dont Sébastien Belgodère interprète cet étrange objet. 

 

Dans ce mouvement perpétuel, il y a également ce fol espoir, celui que doit ressentir Sisyphe à chaque recommencement, chaque fois qu’il pousse à nouveau sa pierre. S’il pouvait abandonner cet espoir, et accepter son sort, en observer les mécanismes et s’y résigner, ne serait-ce pas, aussi, une forme de renaissance? Tel est l’avis du «constructeur», pour qui «l’absurde est aussi un effet de réalité, une façon de s’approprier un espace, un temps. Avec la possibilité de déformer cet espace et ce temps, pas forcément en leur donnant un sens mais en les extrayant de leur mouvement immuable ».   

 

Il n’y a qu’à regarder la machine. L’empreinte laissée par la presse n’est jamais tout à fait la même, de la même façon que la raclette n’efface pas tout à fait la totalité des marques laissées. Il y a donc une superposition de couches. Rien ne renaîtrait donc jamais, tout à fait, de la même façon ?

 

 

Entre le mouvement que l’on impose à notre propre vie
et celle qui nous est imposée,
quelle forme peut bien surgir de tout cela ?

 

 

Pour Sébastien Belgodère, la réponse se situe avant tout dans notre capacité à accepter ces forces, ces cycles, dans un paradoxal mouvement de «lâcher prise volontaire». Sisyphe ne pourrait-il pas, ainsi, être heureux ?

 

Cela ne répond malgré tout pas entièrement à notre dernière question. Pour renaître vraiment, Julien Isoré cherche en effet une fée, celle qui imprimera le mouvement final, et qui pourra lui donner une forme.

 

Pour reprendre sa lettre, la fée ne sera pas Nina Hagen.

 

Qui dans ce cas ?

 

 

Mener une enquête sur la Renaissance, en trois volets, voilà pour résumer l’objet de ce triptyque. Nouvelle naissance littéralement, renouveau saisonnier, réapparition d’une chose disparue, période historique et artistique... L’objet de cette investigation n’est pas d’en couvrir tous les champs mais de suivre ceux que Julien Isoré, notre guide pour l’occasion, nous a adressé par courrier. Partir d’une lettre donc, que voici, envoyée par un artiste qui joue ici un rôle hybride, à la fois poète et curateur.

 

Les hommes ont construit une forêt dans la ville en l’honneur du dieu Pan. Ce n’est pas le parc comme l’appelle les urbains,  c’est un dieu. Je le sais, je l’ai vu. C’est un dieu qui me parle et qui m’a demandé de m’asseoir là au pied de ce pin calé entre deux pierres et une nappe de béton. C’est un mythe vivant et sans visage. Cent visages peut-être.

Je suis dans ses bras. Je m’endors au bord de lui comme oublié, à l’intersection des mondes. J’y suis : au point de l’équilibre instable ; là ou parfois certain s’imagine une petite fille tombant dans un terrier de lapin et où d’autres voient un homme traversant l’espace accompagné d’une mouche.

 

J’ai froid et une chaleur brûlante me pique l’intérieur. Nous y sommes, je ne bouge plus. Un film doux de soie m’entoure. Je suis collé à l’arbre. Je me recroqueville. Je penche la tête contre mon torse. Je ne sens plus mes cheveux, ni mes yeux. Ils sont fermés et pourtant je vois. Je vois du rouge, du blanc, du bleu, du vert, ce doux vert multiple qui rayonnait dans le parc il y a encore quelques minutes. Je ne bouge plus mais c’est en moi que ça bouge. Je ne respire plus ; c’est en moi que ça respire. Oui je me sens mourir. Ma chaire s’agite. Je suis en train de pourrir.

 

Julien Isoré est un artiste plasticien, qui travaille entre autres autour de l’Amour, comme concept, comme objet de partage, comme entité modulable que chacun peut appréhender. Entre Lisbonne et Paris, il partage sa vie, peint, écrit, théorise, recherche, nourrit une oeuvre qui résonne de subjectivité. Pour parler de Renaissance, il a ainsi choisi de partir d’une expérience personnelle, un moment de renouveau intime, qui trouve comme point d’origine une mort intérieure, une fin pour un «nouveau monde». 

Le doux craquèlement des surfaces ; le pue gluant qui se forme et colmate la carapace ; le sang qui se gélifie et la peau qui se décolle des muscles ; les os qui résonnent comme un rail de fer sous le poids d’un train : C’est d’un coup ce décor planté là, glacé, où pourtant tout bouillonne. L’ébullition des glandes ajoute à l’ensemble une mélodie chaotique et chaude, répétitive et longue.

 

Rassurante. C’est la fin.

 

Oui mais c’est celle qui dure. Ouvrant ainsi un nouveau monde où l’épilogue se trouve dans le ventre mou. C’est cette fin à rallonge que l’on déteste au cinéma mais qui procure une jouissance additive quand le livre bouleverse. Je pars et je m’en fiche totalement. Dans ma tête, les images passent en revue comme un bilan database. L’ordinateur central déverse sa mémoire vive vers l'infiniment petit. Mes envies se dispersent dans chacune de mes particules ; tout comme mes peurs que je ne ressens plus car elles partent dans chaque noyau de chaque cellule qui me forme ; tout comme mes réflexions qui se retrouvent dans mes gènes, voir même dans l’espace d’antimatière qui existe entre les acides animés de cet A.D.N. invisible.

 

Je n’existe déjà plus.  Nous sommes légions. Tout repart au corps.

 

C’est lui qui gouverne désormais. 

 

Elle est en face de moi. Nous mangeons ensemble les restes de mes membranes. Je la sens me caresser la peau comme on frôle du doigt celle d’une cuisse de poulet. Je l’aime soudain comme on s’éprend d’une jeune maîtresse impatiente de l’extase. Et puis, petit à petit, habitué par ses gestes, je me mets à l’adorer comme on adore une mère qui vous donne son sein ou comme on vénère ce père doux et bon qui vous prend dans ses bras et vous encourage à faire mieux que lui. Je guette la fin, elle paraît si douce. J’attends le moment que je ne pourrais jamais connaître : celui ou les autres que moi diront « oui il est bien mort ».

 

Dans cette lettre mystérieuse, il nous donne néanmoins quelques indices. La Renaissance est une nouvelle naissance, un mouvement par conséquent, un cycle qui recommence mais qui serait absolument neuf. Ce cycle passe par la rencontre avec la mort, avec la disparition d’une part de soi, c’est un voyage évidemment intérieur et solitaire mais qui ne peut pourtant apparaître qu’avec les autres, face aux autres, avec leur regard, et leur parole : «oui il est bien mort».

 

Pour explorer les méandres d’une Renaissance, Julien Isoré met en effet la sienne en miroir avec les mots et la vision de trois autres artistes, trois points de vue sur la question.

Et puisque, répétons le, une Renaissance est un voyage, il était logique de commencer par un explorateur.

Qu’est ce que la Mode?

 

Un défilé d’arrogance ou un miroir de bienséance? L’empire de l’apparence où le moindre fait est porté à outrance? Une scène d’esthétisme brisée d’un coup de théâtre social mélodramatique? Une innovation coup de poing à contrat déterminé?

Didactiquement, la mode engage la collectivité dans un engouement de tendances et de sensations passagères, et pourtant, opportunes dans la société.

 

Brièvement: « la Mode, C’est ce qui se démode ».

 

Jean Cocteau, illustre poète anticonformiste et esthète Dandy du 20e siècle, décela la mode comme cette institution du neuf. Extravagante et éphémère, telle est sa représentation visible. On l’estime pour sa singularité et son symbolisme. Néanmoins, elle dérange par ses provocations et son inaccessibilité.

Pourquoi donc ces caractéristiques sont-elles si impactantes?

 

Les valeurs de la mode ont-elles une influence déterminante dans notre espace social?

Tout dans la mode pousse à l’admiration, à la convoitise, et paradoxalement au dédain et à l’indignation. On la qualifie de superficielle et l’on s’inquiète de ne pas y correspondre.

 

Alors où se trouve l’équilibre?

 

Des années 20, âge d’or des couturiers, à notre société postmoderne sous l’empire du désir esthétique et de l’ambition individualiste, on alterne entre obsession du corps et valorisation de l’identité. Depuis ces années mode, précurseurs de mouvements sociaux, politiques et économiques, l’An 2000 semble banalisé et se nourrir de toutes ces tendances.

On assiste au principe du cycle, illustration d’éternelle insatisfaction de l’individu, de lassitude et d’impatience.

 

« Une mode a à peine détruit une autre mode, qu’elle est abolie par une plus nouvelle, qui cède elle-même à celle qui la suit».

 

Le XVIIe siècle de Jean de la Bruyère, styliste de la littérature et fervent revendicateur de la doctrine de « l’imitation créatrice », s’accommodait des salons et des préciosités où dominait, selon lui, « l’inintelligible et le subtil ».Un mouvement qui fait désormais l’objet d’une approche contemporaine.

Vouloir « Donner du Prix » à sa Personne.

 

Il semble difficile d’étonner par l’originalité de la pensée. C’est pourquoi les précieux, de la même manière que les trend setters, s’attachent davantage à la forme qu’au contenu. La mode est incontournable voire abusive, elle s’octroie notre approche matérielle en plus de nos valeurs morales et idéologiques. L’individu, influençable, agit selon la maxime: « Je pense donc tu suis ». Une démonstration qui n’est pourtant pas dénuée de sens, au vu des répercussions alarmantes qui ont renforcé ce particularisme social.

 

En quelques années, des Katoucha Niane, Anna Nicole Smith, Kate Moss, Gisele Bundchen,Cindy Crawford, Natalia Vodianova, Agyness Deyn, Chanel Iman… ont instauré une éloquence du corps qui est devenue légitime vu le nom de leur fonction : top model - traduit modèle supérieur.

 

En 1990 , on se plaisait à s’identifier à une Anna Nicole Smith, comparée, par sa plastique pulpeuse à Marilyn Monroe. Parallèlement, l’heure se mettait à la mode « brindille » en propulsant de futures icônes à peine âgées de 15 ans. À cet instant, le club des super mannequins des années 80 était ouvertement révolu. Plus de femmes, uniquement des adolescentes aux formes androgynes, qui ne permettent aucune projection réaliste.

 

Nouveau créneau :

 

Engager la guerre à l’immobilisme et combattre le conservatisme. Depuis l’éclosion des mentalités desannées 20, les mutations sociales et culturelles observées au cours du siècle, s’apparentent à des bombes à retardement. Des détentes qui s’enclenchent pour bouleverser une société figée dans des normes et des principes, au détriment d’épargner les plus vulnérables. 

Chaque fait est Amplifié.

 

Alors qu’au début du XXe siècle, les pulpeuses aux fesses charnues et au léger embonpoint sont de mise, Christian Dior définit, dans les années 50, sa silhouette parfaite. C’est un enchaînement de mensurations qui propage le culte de la minceur. La mode pèse en masse, c’est un produit de consommation. Et comme, selon Molière, « Tous les vices à la mode passent pour vertus », c’est aussi une nouvelle loi sociale.

Il faut du beau et du singulier pour séduire, ajouté à de l’hyper beau et de l’hyper singulier pour faire face à la désuétude. Faire toujours plus, dans le dessein de se démarquer, en transcendant les frontières générationnelles, en s’affranchissant des normes ou en créant une nouvelle éthique.

 

Telle est la mode au fil des siècles, source de création et de subversion.

...Cependant, que dissimule t’elle?

 

Peut-on taire une source de mal de vivre ?
Fin du XVIIIe siècle, des guerres de la Révolution française, de l'épopée napoléonienne et des Lumières, la vocation de la mode est réinventée.
 

La jeunesse, désabusée, entame une lente révolution contre un passé évocateur du spleen. Ce siècle, en mouvance, est illustré par la volonté d’indépendance et la revendication d’opinion où la recherche artistique atteint son apogée.  Plus qu’une colère contingente, ce siècle engage un revirement des valeurs. C’est l’expression d’une génération au travers d’une matière devenue symbole : le vêtement.

Relevé de sa simple fonction de protection, le vêtement devient un baromètre de rang social. L’habit comme allégorie d’un changement d’ère et des fondamentaux de l’Homme. L’art est au cœur de ces bouleversements : intermédiaire et bouclier, revendicateur et défenseur, le vêtement devient une toile. XIXe siècle, la mode est lancée, le vêtement est un art portable. L’angoisse spirituelle et métaphysique comme modèle, le vêtement comme toile, l’avènement du dandysmecomme représentation.

Plus qu’une superficialité, cette recherche esthétique apparaît comme le point de jonction entre la quête intemporelle d’un Idéal et l’amertume d’une société. SelonBaudelaire, qui sacrifia sa vie de dandy à la poésie et à la littérature, « Le mot dandy implique une quintessence de caractère et une intelligence subtile de tout le mécanisme moral de ce monde ». Délaissant son costume de dandy pour revêtir celui de poète, Baudelaire en garda quelques accessoires dont le mépris de l'opinion commune et la recherche du beau. Le dandy conformément à l’esthète professe le culte du beau et place sa vie sous le signe de l’art. Leur essence même réside dans le beau et le mystère.
 

Perçue comme une issue au naissant matérialisme, la religion du beau place l’esprit et la sensibilité en premier plan. Mais comment se préserver du malaise lié à cette nouvelle philosophie? Par le rejet de toutes les sciences expérimentales, qui se rattachent au réalisme d’une société « médiocre » et tentent délibérément de s’attaquer aux sens.

 

L’androgynie liée au romantisme et à la poésie s’apparente davantage à un exutoire. Il n’est plus question d’études humaines ou de causes théoriques. C’est l’abolition des conventions liées à l’Homme. Sauvés par l’effémination, l’esthète et le dandy y trouvent leur point de convergence. L’androgyne décadent, ou l’« anti-naturel », manifeste une transgression du genre. En accord avec la société du XXIe siècle, l’androgynie, ou à plus grande échelle l’anorexie, sont la preuve d’une opposition aux normes, mais qui est désormais, banalisée.

 

On se heurte à légitimer les codes liés à la mode, à cultiver une attitude, une posture, une philosophie plus ou moins analogue, comme l’obtention d’un titre. Alors que cette perte de repères est infiniment plus profonde et se veut à juste titre, refus identitaire.

 

Le Spleen n’est pas Ephémère, la Mode l’est.

Friedrich Nietzsche X Alexander McQueen

 

Bien qu’ayant la capacité à surprendre votre esprit érudit, cette assimilation de deux personnages en apparences différents en tous aspects, permet de redécouvrir la philosophie et la mode sous un autre angle.

 

Le philosophe n’est pas un savant maniaque, c’est avant tout celui qui cherche la vérité à travers des questions au caractère existentiel. Les réponses peuvent donc être apportées sous toutes les formes, qu’elles soient dirigées par la pensée, ou par la créativité.

 

Nietzsche surprend, Nietzsche dénote, Nietzsche remet en cause le conformisme de la pensée. « Dieu est mort ! Dieu reste mort ! Et c’est nous qui l’avons tué ! » (Le Gai Savoir – Nietzche). Par cette fameuse citation, le philosophe entend nous faire comprendre que la mort ne réside pas seulement dans la présence physique, mais dans la conscience collective.

 

Le véritable décès est celui d’anciens codes moraux dictés arbitrairement par la théologie, codes moraux qui ont, d'ores et déjà, perdu leur vocation fondamentale. Dieu n’est donc plus l’essence de la morale établie. Cette agonie de la croyance, que le philosophe illustre par la formule ci-dessus, exige une réévaluation des valeurs humaines afin de détruire une aliénation latente, et pour qu’in fine l’Homme ne pense plus la morale telle qu’on la lui a enseignée. Ce processus, caractéristique des philosophes matérialistes, implique paradoxalement un au-delà. Mais un au-delà des valeurs judéo-chrétiennes que personne ne souhaitait jusqu’alors remettre véritablement en cause. L’athéisme chrétien aurait pu être suffisant, mais suffisant en tant qu’illusion. Illusion n’apportant un réconfort que dans vos chimères.

 

Le christianisme est perçu par Nietzsche comme une forme de nihilisme, un système résultant d’une pensée idéaliste. Et pour le philosophe allemand, l’idéalisme ne peut demeurer dans la recherche d’une puissance cosmique, mais dans une abolition existentielle : celle du christianisme, et surtout de ses valeurs, de son ordre moral.

 

Tout comme Nietzsche, Alexander McQueen surprend, Alexander McQueen dénote. Parangon de l’avant-garde, son travail est une bombe qui détonne dans l’univers de la mode, encore bien ancré dans un certain conformisme. C’est donc en sombre artiste hors norme qu’Alexander McQueen peut être considéré.

 

Dès 1997, en devenant directeur de la création chez Givenchy, le jeune styliste surprend par l’anticonformisme de ses créations. Cet affront direct aux codes est principalement illustré par une vision futuriste de la mode. Il paraît donc légitime de se demander si Alexander McQueen croyait en l’avenir de la mode dicté par les règles jusqu’alors établies. En effet, une innovation marque une arrivée, remettant en cause la mode telle qu’elle était perçue. Le style de cette maison demeure pour le moins fantasmagorique, surréaliste. McQueen dévoile chacune de ses collections en des défilés chaque fois plus théâtraux. Bien que la sensualité réside dans chacune des pièces de la maison, quelque soit le thème évoqué, l’obsession de la mort demeure la véritable source d’inspiration du créateur, le nerf de sa liberté d’expression et de création. Une obsession devenue épée de Damoclès, qui finit par tomber en 2010, lorsqu’Alexander McQueen se suicide par pendaison.

 

Une mode et une philosophie pour tous ? Le styliste a en effet collaboré avec de grandes maisons comme Boucheron, mais aussi avec d’autres marques plus populaires, telles que Puma. Le vœu d’apporter sa créativité à tous est donc clairement identifiable.

 

De son côté, Nietzsche parle d’une foule étant « une somme d’erreurs qu’il faut corriger ». Mais comment diable éduquer ce peuple qui, ayant soif de connaissance, se voit contraint à croupir dans son néant ? C’est à travers le caractère existentiel de la pensée du philosophe que se manifeste cet enseignement pour tous. La philosophie des grandes théories, il la laisse bien volontiers à Kant. Bien qu’ancestrale, c’est néanmoins une vision peu répandue de la philosophie. Que l’on songe seulement à Jean-Paul Sartre considérant Albert Camus comme le dernier des incapables, parce qu’il n’était pas issu de la bourgeoisie parisienne…

 

La vision contemporaine de la mode que souhaitait apporter Alexander McQueen à ce milieu passait principalement par l’effraction à la règle, à la manière donc de Nietzche, qui enfreint et surpasse les codes moraux.

 

Cependant, l’un comme l’autre reconnaît l’importance du savoir et de la culture dans la construction de soi. Alexander McQueen disait qu’« Il faut connaître les règles pour les enfreindre. Pour cela je suis ici, pour démolir les règles tout en gardant la tradition. ». C’est de la même façon que Nietzsche, dans l’Antéchrist, démontre sa capacité à remettre en cause le christianisme, à travers le savoir qu’il possède de cette religion, ainsi que l’analyse qu’il en a fait.

 

La fantasmagorie visant à défier les mœurs est également présente dans les songes de Zarathoustra. Cet érudit, à travers son cheminement vers la sagesse, se confronte au paradoxe de l’expérience, elle est d’un côté aliénante et de l’autre élévatrice.  Le philosophe affirmait d’ailleurs que « Notre caractère est déterminé par l’absence de certaines expériences plus encore que par celles que l’on fait. »

 

Cette citation est largement vérifiable dans le monde de la mode. Certes, des influences et des inspirations viennent de toute part, mais si l’expérience seule venait conditionner le créateur, un néant de créativité se ferait entendre. Notons également que l’anticonformisme doit rester une minorité, et cela, Alexander McQueen l’a bien compris. La raison est simple : une généralisation de cette pensée minoritaire lui confisquerait son essence. C’est de la nouveauté raisonnée que vient le changement. Dans Ainsi parlait Zarathoustra, la pensée ne passe que par l’argumentation, par une progression du discours. De la même façon, Alexander McQueen ne se contentait pas de présenter sa collection, mais d’y associer un décor pour appuyer son argumentaire, tel Zarathoustra.

 

À chaque époque son anticonformiste. La nôtre semble parfois l’avoir érigé en phénomène de mode, paradoxalement de bon ton, à l’inverse de l’œuvre du créateur et du philosophe que nous venons de vous présenter.

 

Pourquoi donc ne pas prendre au mot ce phénomène et utiliser la philosophie telle que se doit être : répondre aux questionnements de la vie quels qu’ils soient, et par conséquent la retrouver partout ?

 

D’Epicure à Valentino, de Michel Onfray à Christian Louboutin, la frontière est parfois plus mince que l’on peut  habituellement l’entendre…

J’ai eu la vie que je pouvais. 

J’ai un spectacle à la place du cœur. 

Alors jouez jusqu’à disparaître de ma mélancolie.

 

Je suis une femme complexe avec un plan simple. Une ligne de vie définie que je refuse du bout des doigts, sans te retenir vraiment, lorsque tu claques la porte pour ta propre échappatoire. Ailleurs. Sans plus personne à blâmer, à connaître, à décevoir.

 

J’attends d’avoir l’avis des autres pour me dire que seul le mien compte. Je suis perdue entre la vacuité du moment présent et l’impossibilité de l’infini. Je coule, je cours à ma perte, lentement, doucement. Et j'emmène tous ceux que j’aime dans ma chute, mais assez loin de moi pour qu’ils me manquent.

Un peu.

 

Et puis je ne vis qu’au travers des hommes, à croire que j’aurai voulu en être un. 

Mon premier me voit comme une maladie imaginaire qu’il a partagée un jour. 

Le second comme une pièce manquante qu’il rangerait dans son livre des petites choses. 

Quant aux derniers, ils m'imaginent comme la mère qu’ils n’auront jamais eu. 

Moi, je préfère me souvenir d’eux tous, tels des fantômes, plutôt que de les quitter.

 

J’ai besoin de me sentir seule pour pleurer devant eux, me sentir aimée dans tes bras trop grands que je ne comprends pas, me faire pardonner ces erreurs qui sont miennes mais que je t’attribue. Et enfin oublier que ma prison n’a jamais eu de barreaux pour nous séparer.

 

Les noms des amours changent, mais pas moi. Parce que les jours de joie m’échappent inexorablement. Les uns après les autres dans l’ordre du calendrier, je les ai gâchés d’un mot, un seul, en priant mon nombril de les faire revenir au crépuscule de mon art. Mais à leur retour, ils se meurent pour mieux me maintenir en vie, en stase.

 

Je me sens vide de vous et désertée par mes démons, par mon désir de survivre au prochain inconnu. Et lorsque mon orgueil me parle de solitude comme du temps qu’il fait, une autre voix se fait entendre. Une voix douce, calme, affectueuse qui pense à ma place. Son timbre m’intime quoi dire, qui étreindre et quand mourir, enfin, au loin.

Sans personne.